Huele a palomitas

LOS DESCENDIENTES, Alexander Payne (2011) [5,6/10]

2012-02-11T15:45:00.000-08:00

Ya tengo película sobrevalorada para este año. Si en 2010 me tuve que resignar viendo cómo El discurso del Rey acaparaba todos los premios y alabanzas de la crítica mientras que otras películas igualmente interesantes se veían condenadas al más triste de los olvidos (127 horas), creo que este año tampoco me libro, y la destinada a convertirse en blanco de mis manías ha sido Los descendientes, del aclamado director Alexander Payne.

Basada en una novela de Kaui Hart Hemmings, el calificativo más benévolo que podemos colgarle a Los descendientes es el de “lenta, de ritmo pausado”, pero tampoco nos convertiremos en el colmo de la crueldad si decimos que es más bien tirando a aburrida.

Lo siento en el alma, pero a mí la película no me ha conmovido ni me ha emocionado lo más mínimo. Cuenta la historia de un hombre que pierde a su mujer en un accidente y ha de lidiar ante una difícil situación, con dos hijas a su cargo y posteriores golpes que se le irán desvelando al personaje a lo largo de la trama en forma de interesantes aunque tardíos giros de guión.

La película cuenta con una buena dosis de humor negro mal explotado (tampoco parece que fuese su intención principal) que no deja de hacerme pensar en la joya que hubiesen hecho Azcona y Berlanga en caso de haber tenido esta historia en sus manos. Pero ni Payne es Berlanga (¡las ganas que tiene!), ni Nat Faxon y Jim Rash son Azcona; y lejos de optar por contar una historia tragicómica y gamberra de humor negro que muestre la picaresca de nosotros los seres humanos, se opta por mantener la compostura y pretender hacer algo serio y profundo que deje algún tipo de poso en el corazoncito del espectador. Y es ésta una opción muy respetable, pero para ello hay que saber hacerlo, y Los descendientes no lo consigue ni de lejos.

Ignoro si el personaje del novio de Alex (Shailene Woodley) aparecía en la novela, pero si era así, que me expliquen de quién es sobrino el actor, porque lo cierto es que en la película interpreta a un personaje total y absolutamente prescindible. Cuando aparece en pantalla sobra, y cuando no aparece tampoco se le echa en falta.

La interpretación de Clooney es correcta, pero tampoco me parece como para tirar cohetes, y hay unos cuantos diálogos que me jugaría la mano derecha a que no han pasado una segunda revisión (la escena del final en la que Clooney aparece despidiéndose de su esposa es digna de un doblaje de El Informal).

En definitiva, una película totalmente prescindible que será recordada por todos y que gozará de un reconocimiento que no merece ni en broma.

SHERLOCK HOLMES, Guy Ritchie (2009) [7/10]

2012-02-07T15:34:00.000-08:00

La primera parte de la saga de Sherlock Holmes (parece que van camino de la tercera), dirigida por Guy Ritchie, cuenta con una trama que me atrapa y me lleva con ella, pero lo hace a marchas forzadas. Quiero decir, no me seduce, me obliga a ir con ella y no tengo más remedio que creérmela. Me sorprende, pero no me convence, por muchos flashbacks para tontos que utilice, o quizá precisamente a causa de ellos.

Las claves se le ofrecen al espectador en forma de diálogos tan ingeniosos como rápidos, siendo imposible digerirlos y ante los que uno se tiene que rendir, aceptando a pies juntillas lo que los guionistas dicen.

El fallo, por lo tanto, es más de guión que de otra cosa, porque lo cierto es que los actores hacen gala de unas aceptables interpretaciones, destacando un anti-heroico Robert Downey Jr en el papel del gran Sherlock Holmes.

Es digna de destacar también la fotografía de Philippe Rousselot, que retrata un Londres tan antiguo como irreal, en plena Revolución Industrial, en la que se desarrolla esta entretenida historia basada en el cómic de Lionel Wigram y que incluye conspiraciones, sociedades secretas y corrupción política.

Todos estos elementos hacen del Sherlock Holmes de Guy Ritchie una película tan entretenida como olvidable.

EL CHICO, Charles Chaplin (1921) [8,3/10]

2012-02-03T15:25:00.000-08:00

Estoy seguro de que hubo un tiempo en que las emociones y los sentimientos de gran parte de los espectadores del mundo pertenecieron a Charles Chaplin. Hoy, en plena era digital, mis sentimientos y mis emociones le han vuelto a pertenecer allí donde quiera que esté.

Y es que si existe algún contexto en el que mejor quepa hablar de “magia del cine”, ha de ser indiscutiblemente uno ligado a este señor con mirada de pillo, pantalones bombachos y bigote ridículo.

El chico es otra de esas películas que bien puede catalogarse como “definición de cine”. Enternecedora hasta la médula, en ella el maestro Chaplin nos muestra imágenes que nos sobrecogen, que nos fuerzan a esbozar una sonrisa, pero también a soltar alguna que otra lágrima.

Chaplin apenas necesita nada para arrancarte el corazón y metérselo en el bolsillo. No se complica en la realización ni en las tramas enrevesadas, le basta con un parque, un policía y una chica guapa, como él mismo dijo.

Muy autobiográfica, en El chico Chaplin habla de la figura paterna que siempre echó en falta, por lo que sorprende aún más que lo haya logrado plasmar tan magistralmente. Era el mejor.

CANINO, Giorgos Lanthimos (2009) [5,8/10]

2012-01-30T15:19:00.000-08:00

La película que le otorgó cierta fama al realizador griego Giorgos Lanthimos es Canino, filme hasta cierto punto reconocido internacionalmente y tan raro como incómodo de ver.

La idea de la que parte Lanthimos para desarrollar su historia es buena, pero quizá demasiado infantil, y Canino se me antoja como un producto hecho por quinceañeros más que como algo realizado por verdaderos profesionales.

Un matrimonio mantiene encerrado a sus tres hijos en una mansión de las afueras de la ciudad, impidiéndoles tener cualquier tipo de contacto con el exterior y con la realidad. Esta interesante premisa se torna de lo más aburrido cuando se pone de por medio la cámara de Lanthimos, haciéndose de agradecer únicamente los momentos de extrema violencia que sacuden de vez en cuando la pantalla y que nos desvelan de nuestro aletargamiento.

La interpretación de los actores deja muchísimo que desear, se agradecería un poco más de entusiasmo a la hora de hacer su trabajo, que está muy bien esa puñetera manía de los directores modernos de “no forzar al espectador” y “dejarle que saque sus propias conclusiones”, pero tampoco es plan de obligarle a poner él todo de su parte, porque entonces lo que tenemos es una película vacía y sin personalidad ninguna.

Con una puesta en escena sencilla y quizá simplona, Lanthimos se marca unos encuadres tan pretenciosos como mejorables, en una película cuyo valor más notable es la lectura política y social que de ella permite sacar.

¡AGÁCHATE, MALDITO!, Sergio Leone (1971) [6,3/10]

2012-01-21T17:07:00.000-08:00

Una de las últimas películas de Sergio Leone, director cuyo nombre va indiscutiblemente unido al género spaghetti western, es ¡Agáchate, maldito!, protagonizada por James Coburn y Rod Steiger y ambientada en la Revolución Mexicana de principios del siglo XX.

La historia, del propio Leone junto con Sergio Donati y Luciano Vincenzoni, cuenta cómo la casualidad quiere que un vulgar atracador de bancos se una a un exiliado del IRA para dar el que aparenta ser el golpe de su vida, todo ello en un contexto de Revolución que condiciona sobremanera las relaciones humanas.

Así, ¡Agáchate, maldito! es, por encima de todo, una película política que muestra hasta qué punto determinados contextos pueden influir en las actitudes de las personas, siendo que, en muchos casos, los intereses personales se imponen a los sociales y las traiciones hacen la revolución imposible. Este es el aspecto más importante de la cinta y al que mejor partido podría haber sacado Leone para hacer una obra redonda. Pero, por motivos que desconozco y parece ser que ajenos al director, no se hizo, resultando ¡Agáchate, maldito! una obra menor en la filmografía del cineasta italiano.

La película presenta un no demasiado buen montaje, haciéndose lenta por momentos y salvándose por algunos pequeños toques de humor.

La hipnótica y extraña partitura de Morricone nos acompaña a lo largo del extenso metraje desde un inicio tan brutal como demagogo, pero que en cualquier caso constituye uno de los mejores momentos del filme, prometedor, pero ligeramente decepcionante.

DRIVE, Nicolas Winding Refn (2011) [8,3/10]

2012-01-13T18:01:00.000-08:00

Una de las mejores sorpresas, si no la mejor, que ha traído el año 2011 en cuanto a cine se refiere viene constituida por Drive, una arriesgada película basada en una novela de James Sallis y dirigida por Nicolas Winding Refn, director que me resultaba totalmente desconocido y que tras ver su último film me resulta igualmente interesante.

Y es que Drive es una de esas películas con atmósfera, una atmósfera muy rara, que hasta cierto punto podría remitir a David Lynch y que en cualquier caso transmite al espectador una envolvente sensación de soledad flotante. La realización y la puesta en escena rozan lo cursi, pero también es cierto que resultan de lo más original y en ningún caso llegan a disgustar, sino todo lo contrario.

Drive es la Taxi Driver del siglo XXI, y no sólo porque aparezca Albert Brooks, sino porque su planteamiento es muy similar, aunque más oscuro, si cabe: un llanero solitario urbano que trata de ayudar a alguien, pero que da un paso en falso y se genera una tragedia griega en toda regla, en la que no hay redención para nadie y el espectador va viendo cómo los personajes se aproximan a su fatal destino sin poder hacer nada por evitarlo. La película pone en tela de juicio que el dinero sea lo más importante en nuestra vida, y rompe una lanza a favor del amor y los sentimientos, aunque en ocasiones éstos nos conduzcan a destinos fatales.

Desde el principio, y antes de que entren los títulos de crédito más horteras que se recuerden de los últimos años, Drive nos deja clavados en el asiento debido a la fuerza y la tensión que transmiten sus imágenes. Inicialmente, la inexpresividad del actor Ryan Gosling puede llegar a mosquear, pero más tarde entenderemos que su personaje es así, un hombre frío como un témpano que se aproxima al abismo en el momento en que abre un poquito su solitario corazón.

EL REY LEÓN, Rob Minkoff y Roger Allers (1994) [7,8/10]

2012-01-05T15:38:00.000-08:00

El Rey León, de Rob Minkoff y Roger Allers, es una de las mejores películas creadas por la Disney en los últimos tiempos, y aprovechando que el musical ha llegado a España, la están pasando estos días en algunos cines de la ciudad.
Está basada en la conocida Hamlet de Shakespeare, por lo que de entrada se antoja como una película cuanto menos entretenida, bien estructurada a nivel de guión y con un sólido hilo conductor en el que valores como el deber, la justicia o la lealtad saltan a la palestra.

Al margen de la historia, es digna de reconocimiento la labor de dirección de sus realizadores, la cual presenta unos planos que ponen los pelos de punta y realmente emocionan. En este sentido, andaba temeroso por la mala pasada que me podía jugar el puñetero 3D, pero lo cierto es que incluso lo llegué a agradecer.

El Rey León constituye una defensa de la democracia burguesa en su versión monárquica, haciendo una clarísima y panfletaria crítica hacia los totalitarismos de todos los colores y sabores. Hay quien ha llegado a ver en el personaje de Scar una representación del mismísimo Jomeini, además de otras interesantes aunque supuestas casualidades que sirven de forma genial como vehículo de propaganda contra el Islam (ver vídeo). Por lo tanto, a pesar de haber disfrutado como un crío viendo la película, no puedo menos que estar en total desacuerdo con la idea que defiende: la monarquía es inmutable, es el ciclo sin fin, algún día “todo esto” será de Simba, que para más INRI será el que devore (literalmente) a su pueblo.

Pero volviendo al aspecto más puramente cinematográfico de El Rey León, he de decir que es una maravilla, y que no la recordaba tan buena. Me ha emocionado, he sentido miedo, rabia y adrenalina; y únicamente me ha sobrado alguna que otra gracieta de Timón y Pumba.

La música de Hans Zimmer y las canciones de Elton John y Tim Rice nos sumergen por completo en el continente africano y contribuyen a que respiremos naturaleza en estado puro.

THE ARTIST, Michel Hazanavicius (2011) [7,9/10]

2011-12-30T17:49:00.000-08:00

Sin ningún lugar a dudas, una de las sorpresas del año en lo que a cine se refiere la constituye la película The artist, del francés Michel Hazanavicius, quien, en plena época de dominio del 3D y el cine digital, se ha atrevido a contarnos una historia acerca de la renovación y la adaptación a un nuevo medio a través de una película muda en blanco y negro.

Cuando uno se sienta en la butaca del cine y la película se empieza a proyectar, se tiene la sensación de viajar en una máquina del tiempo hasta el Hollywood de 1927, donde un exitoso actor llamado George Valentin (Jean Dujardin) se come el mundo a bocados gracias a sus fantásticas películas. El problema viene con la definitiva implantación del cine sonoro, que acaba por desplazar a aquellos expresivos rostros asociados a lo viejo y demanda nuevas caras y, sobretodo, nuevas voces. Es en este contexto donde una bella Peppy Miller (Berenice Bejo), en oposición al olvidado Valentin, desarrolla su meteórica carrera hacia el estrellato cinematográfico. El encuentro entre ambos actores servirá como detonante de una historia que se divierte reflexionando en torno a la mentira que es el cine, desde el falso lunar de la actriz hasta el decorado de cartón-piedra del estudio de rodaje; una historia que nos muestra lo mucho que nos gusta ser engañados por el cine, porque al engañarnos nos maravilla, nos cautiva y nos atrapa.

Autor también del guión del filme, Hazanavicius demuestra ser un grandísimo director en gran parte gracias al material con el que cuenta: imágenes y nada más que imágenes. De esta forma, el uso de la elipsis del que hace gala el director francés sólo puede ser calificado como magistal, sabiendo aprovechar bien las oportunidades que le brinda el cine mudo y logrando transmitir con éxito las emociones que se propone. A este respecto, conviene también mencionar las interpretaciones de todos los actores, por lo general a la altura y únicamente molestando al principio Berenice Bejo, un rostro demasiado actual quizá, pero al que uno acaba por acostumbrarse.

The artist es una arriesgada apuesta que merece por sí misma el reconocimiento internacional, aunque sólo sea por acercar el cine mudo al público general y mantener viva la magia del cine.

MELANCOLÍA, Lars von Trier (2011) [5,1/10]

2011-12-17T18:07:00.000-08:00

No estaría mintiendo si dijese que iba al cine con ganas de ver la última película de Lars von Trier, pero también es cierto que algo de miedo, alerta y preparación psicológica en mí había.
Y es que según me siento en la butaca y las primeras imágenes de Melancolía se empiezan a pasar ante mí, no puedo menos que temerme lo peor al comprobar que lo que estoy viendo se parece demasiado a El árbol de la vida, de Terrence Malick. Las escenas iniciales a cámara superlenta remiten a lo onírico, y es imposible no acordarse del anterior trabajo del director danés, Anticristo. Poesía y belleza gafapasta es lo que abunda en el prólogo de Melancolía, por lo general un coñazo de considerables dimensiones cuyo final es lo único que transmite algo de lo que pretende transmitir.
Superadas las hermosas escenas con las que abre la historia, en el primer acto ya aparece el sello del director mediante su realización característica, de cámara al hombro y sencillez técnica, y si antes nos acordábamos de El árbol de la vida y de Anticristo ahora lo hacemos de Celebración, un filme también dogma de Thomas Vinterberg, porque la acción se sitúa en la boda de la joven y no demasiado feliz Justine (Kirsten Dunst) en un ambiente familiar de clase alta que también sirve al director para criticar y reirse de algunas costumbres y comportamientos propios de nuestra sociedad.
Von Trier expone su particular Apocalipsis de forma poco convincente para el espectador, siendo que uno tiene la sensación de que realmente no está sucediendo nada de nada, y sólo queda bostezar o echarse una buena siesta en el mejor de los casos.
Hay momentos de gracietas que no vienen a cuento y toda una mitad de la película rozando lo irrelevante. Interpretaciones correctas de un atractivo reparto y un igualmente atractivo escotazo de Kirsten Dunst son algunos de los pocos elementos que pueden hacer mínimamente aceptable Melancolía de Lars von Trier.

UN DIOS SALVAJE, Roman Polanski (2011) [5,8/10]

2011-12-06T15:07:00.000-08:00

Lo malo de ir al cine con altas expectativas es que, si éstas no se cumplen, el batacazo puede ser realmente doloroso, más aún si se trata de un director al que tienes una grandísima estima.

Es lo que me pasó con Un dios salvaje, una historia acerca de la hipocresía y los falsos buenos modales que imperan en la sociedad de hoy.

Coincido con muchas personas en que Un Dios salvaje, la última película de Roman Polanski es “una película imprevisible”, pero de lo estúpidas que son algunas de sus situaciones y muchas de las reacciones de sus personajes.

La historia empieza muy bien, tiene sus puntos, uno se ríe e incluso emite sonoras carcajadas. Pero llegado cierto momento se pasa tres pueblos y no es creíble en absoluto, se vuelve inverosímil por completo. Claro que, tampoco sé hasta qué punto el director polaco ha querido ser fiel a la obra de teatro original de Yasmina Reza, dado que no la he visto, sólo sé que la película deja que desear.

Las interpretaciones de los cuatro actores principales son correctas y profesionales, únicamente molestando por momentos la gran Jodie Foster, a quien los años tampoco perdonan, todo hay que decirlo.

Se agradece la capacidad de Polanski (todo un maestro) para acomodarse a una puesta en escena de notable sencillez, la cual ya demostró en su debut cinematográfico Cuchillo en el agua; pero creo que la calidad no es comparable ni mucho menos a otras películas similares como, por citar sólo un ejemplo, La cena de los idiotas, basada también en una obra de teatro de su propio director, Francis Veber.

Polanski logra crear una atmósfera adecuada y dirige bien a sus actores, pero quizá hubiese sido mejor haber adaptado a la gran pantalla otra historia con más jugo.

UMBERTO D, Vittorio de Sica (1952) [7,2/10]

2011-12-04T08:39:00.000-08:00

En 1952, el combo Zavattini-de Sica se volvió a juntar para ofrecer otra obra cumbre del neorrealismo italiano, Umberto D. No llega, por supuesto, al nivel de emoción que logró en mí Ladrón de bicicletas, pero es igualmente un filme muy emotivo y con mucha clase.

Umberto D es una película vitalista, que invita a vivir la vida en su máxima plenitud, pero constituye todo un drama vivido por una sociedad recién salida de una terrible guerra. En ella se muestra concretamente la vulnerabilidad de los abuelitos, pero también la de los más jóvenes, descubriendo que, al final, la condición que determina un nivel de vida digno o indigno es el tener dinero o carecer por completo de él.

Umberto D cuenta la historia de un jubilado al que apenas le alcanza con su mísera pensión para tirar hacia delante. La sola compañía de su dócil perro Flike será todo con lo que cuente para hacer frente a la tiránica casera, que le quiere echar de su casa cuanto antes, y hará que don Umberto tenga que pasar por las más patéticas de las humillaciones a las que un ser humano puede verse sometido.

Esta obra neorrealista de Vittorio de Sica trata un tema dolorosamente actual, como es el del deshaucio, el cual se torna absolutamente trágico cuando se trata de personas tan indefensas como los ancianos. Aunque la fórmula es característica del neorrealismo y en ella ha basado este movimiento gran parte de su éxito, he de señalar que, en esta película, el empleo de actores no profesionales no termina de cuajar. Las interpretaciones chirrían por momentos y, lejos de contagiar el dramatismo que se espera, acaban por actuar como su cortafuegos en algunas ocasiones.

La envolvente música de Alessandro Cicognini hace que pensemos en Umberto D como en toda una definición de cine de calidad, bien hecho y emocionante.

ARROZ AMARGO, Giuseppe de Santis (1949) [8/10]

2011-11-30T06:05:00.000-08:00

La obra maestra del director italiano Giuseppe de Santis es Arroz amargo, una trágica historia enmarcada dentro del neorrealismo que nos habla de la unidad de clase, del interés personal en busca de riqueza y de la traición a las personas a quienes más unidos estamos.
Producida por el gran Dino de Laurentis, Arroz amargo cuenta la historia de Francesca (Doris Dowling) y Walter (Vittorio Gassman), dos fugitivos de la justicia que se camuflan entre la multitud de arroceras que, como cada año, acudirán a Vercelli a recoger la cosecha de arroz. Aparecerá en escena la sensual y erótica Silvana (Silvana Mangano), actuando como catalizador para que se desborde la tragedia en el triángulo y toda una suerte de traiciones, dobles intenciones e intereses tendrán lugar. Raf Vallone completa el reparto en el papel de un sargento a punto de retirarse, en una genial película de melodrama social, donde las emociones se ponen a flor de piel y cada personaje buscará su propia redención.
Arroz amargo presenta la calidad emotiva y de realización que siempre caracterizó al neorrealismo italiano, con una interpretación ejemplar por parte de los actores, destacando especialmente la belleza de las dos protagonistas femeninas, que se comen la pantalla con esos preciosos ojos en el caso de Dowling y con unas excitantes y eróticas poses en el caso de Mangano.

UN MÉTODO PELIGROSO, David Cronenberg (2011) [6,7/10]

2011-11-25T17:41:00.000-08:00

Basándose en una novela de John Kerr, el guionista Christopher Hampton dirigió la obra de teatro The Talking Cure, la cual ha adaptado al cine de la mano del respetado director David Cronenberg.

Un método peligroso es un drama de época basado en hechos reales que cuenta la historia del triángulo formado por Sigmund Freud (Viggo Mortensen), Carl Gustav Jung (Michael Fassbender) y Sabina Speilrein (Keira Knightley), psiquiatras y paciente respectivamente, entre los que la química estalla y empiezan a florecer las más rígidas de las tensiones.

Un método peligroso habla de la libertad y su auto-represión, sobre hasta qué punto hemos de reprimir nuestros anárquicos instintos o dejarlos galopar libertinamente, haciendo sonrojar al mismísimo Marqués de Sade. Lo hace además centrándose en la sexualidad y la pasión sexual, posiblemente la más humana e intensa de las sensaciones y, en cualquier caso, muy relacionada con el psicoanálisis y el subconsciente.

David Cronenberg logra una atmósfera elegante, sus grandiosos planos denotan calidad y transmiten con fuerza, estando algunos de sus fallos (aunque también grandes aciertos) en el guión. Y es que echo en falta un mayor desarrollo de los sentimientos de Jung hacia Sabina, siendo que no me creo su supuesta atracción hacia ella ni a la de tres. Tanto es así, que la película llega a hacerse corta, uno acaba ahí sentado con la sensación de que le han cortado la historia a la mitad.

No obstante lo dicho, debe quedar claro que la interpretación de los tres actores principales, así como la breve pero importantísima aparición reservada al libertino personaje de Vincent Cassel, es notable como mínimo, destacándose Fassbender como alguien que se empieza a abrir hueco entre los más reclamados para la gran pantalla. Es cierto que se esperaba más de esta película, y que deja un poco con la miel en los labios, pero aún así se deja ver.

SENDEROS DE GLORIA, Stanley Kubrick (1957) [8,3/10]

2011-11-20T10:50:00.000-08:00

Al igual que haría treinta años después con La chaqueta metálica, en 1957 Kubrick dejó patente sus sentimiento antibelicista y antimilitarista en una de las mejores películas de la Historia del Cine, como es Senderos de gloria, basada en una novela de Humphrey Cobb.

En ella, el director denuncia la jerarquía y la indefensión de los subordinados frente a sus superiores, así como la impunidad de la que éstos gozan desde sus poltronas. Mediante una durísima y trágica historia ambientada en la I Guerra Munial, Kubrick nos habla de lo peligroso de la autoridad y la deshumanización de las masas, las cuales se reducen a mera carne de cañón y son tratadas como escoria, pura estadística, a la que de vez en cuando conviene escarmentar de las maneras más sádicas y monstruosas.

Así, la trama se reduce a la condena a muerte de tres soldados del Ejército Francés acusados de cobardía frente al enemigo, lo cual ha de servir de escarmiento al resto de soldados.

La realización es muy clásica, destacando especialmente los travellings en el campo de batalla y el trabajo de Georg Krause, el director de fotografía; y las escenas quitan el hipo y encierran el corazón en un puño.

Basada en un hecho real, la película tardó en poder ser exhibida en Francia debido a la imagen que ofrece del Ejército Francés, y su escena final es conocida por su humanidad y emoción.

NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN, Asghar Farhadi (2011) [7,3/10]

2011-11-16T19:01:00.000-08:00

En los últimos años, parece que estamos asistiendo al pausado auge de las cinematografías no occidentales. Las carteleras de determinados cines se llenan de producciones egipcias, libanesas y, valoradas especialmente, las iraníes, hasta el punto de que parece que toda producción procedente de algún país asiático de nombre impronunciable es automáticamente una buena película cuando no, sencillamente, una obra maestra. El caso de Irán es especialmente significativo porque, al parecer, las condiciones políticas no son las más favorables para la creación artística, y ahí tenemos el caso de Panahi, de ahí que sea especialmente la cinematografía de ese país y el talento de sus directores los que se vienen reivindicando y aclamando en los festivales últimamente.

Es en ese contexto en el que nos encontramos con Nader y Simin, una separación, de Asghar Farhadi, ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín de este año, uno de los templos del gafapastismo mundial.

Farhadi es un hombre que viene del teatro y que posee una particular visión acerca de la sociedad iraní, y así pretende mostrarla en esta película escrita por él mismo en el que la aparentemente normal separación de un matrimonio desemboca, mediante una trágica sucesión de causa-efecto, en un estallido emocional de importante índole para sus personajes. Así, el mejor aspecto del filme es su guión, perfectamente hilado y desarrollado, con interesantes y efectivos giros y capaz de mantener la tensión. Farhadi formula preguntas al espectador y le hace reflexionar acerca de las grandes dimensiones que pueden tener las consecuencias de nuestros actos más nimios e inconscientes.

En Nader y Simin, una separación se dibujan temas como el perdón, la justicia o la venganza, usando como lienzo la sociedad iraní que nos presenta Farhadi, rompiendo estereotipos con mujeres fumadoras y conductoras en unos casos, y confirmándolos con mujeres religiosas y sumisas en otros. Además, el autor deja hueco para dar testimonio de la existencia de clases sociales en Irán, y la manera en que la pertenencia a una u otra de ellas afecta a la hora de recibir justicia y desenvolverse en la vida en general.

Como ya decimos, el director hace preguntas al espectador, pero uno tiene la sensación de que, más que la intención de no dárselo a éste todo mascado, lo que subyace es el miedo a mojarse y el querer tirar por lo cómodo jugando al despiste en la última escena, la cual tiene más de trampa pretenciosa que de verdadero golpe artístico al servicio de la historia.

ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO, Milos Forman (1975) [7,7/10]

2011-11-12T06:14:00.000-08:00

Una de las películas más bonitas acerca de a libertad que he visto últimamente es Alguien voló sobre el nido del cuco, del checoslovaco Milos Forman, basada en una novela de Ken Kesey. Encuentro formidable que se presente la libertad ligada a la desobediencia, a la rebelión contra las instituciones que oprimen al ser humano.

Para ello, la historia se sirve de la manida metáfora de equiparar la totalidad de la sociedad a un pequeño manicomio, que lleva a la obligada pregunta de quién es el loco aquí. De hecho, salvo excepciones, la totalidad de la película se desarrolla en el interior del manicomio, y uno termina de ver la película de Forman con la sensación de que lo que falta aquí son locos idealistas que nos ayuden a salirnos de la rutina, que nos enseñen a disfrutar. En definitiva, que nos hagan vivir.

El protagonista de la historia es Randle McMurphy, interpretado por un ya típico Jack Nicholson, que llega a un centro psiquiátrico, donde, pasando por encima de la rígida e inexpresiva enfermera Ratched (Louise Fletcher), muestra a sus compañeros de "prisión" los valores de la vida y la importancia de la libertad para el ser humano.

La interpretación de todos los actores es adecuada, siendo que muchos de ellos pasarán posteriormente a engrosar las filas de los actores más consolidados de Hollywood, como es el caso de Danny de Vito o Christopher Lloyd.

La preciosa música de Jack Nitzsche huele a libertad, y acompaña a una realización sobria, no pretenciosa, que logra una correcta atmósfera fría gracias a la fotografía de Haskell Wexler. La puesta en escena, recordará más adelante a la que utilice Kubrick para La chaqueta metálica.

ALPHAVILLE, Jean-Luc Godard (1965) [7/10]

2011-11-08T18:22:00.000-08:00

En 1965 Jean-Luc Godard presentó Alphaville, una película de ciencia-ficción ambientada en un futuro distópico en el que la técnica lo domina todo y la emoción no tiene cabida. La gente no sabe amar, se afirma negando con la cabeza y toda persona ha de seguir el patrón “normal” so pena de ser ejecutado de las más pintorescas maneras.

En este contexto, el agente secreto Lemmy Caution (Eddie Constantine) tiene la misión de ir a Alphaville en busca del profesor von Braun.

La realización es sencillamente increíble, con unos planos tan largos como magistrales y esos saltos de eje tan característicos del rey de la nouvelle-vague. Con esta película, Godard juega a hacer cine, demostrando que conoce el lenguaje cinematográfico de cabo a rabo hasta el punto de ponerse a filosofar con él de la forma más pedante posible. En este sentido, es interesante destacar la presencia de elementos característicos del cine abstracto, con esos juegos de luces y formas.

El director nos habla de la importancia que tienen el amor y el carpe diem, sin los cuales el ser humano se deshumaniza hasta parecer un zombi robotizado.

La película se hace entretenida la mayor parte del tiempo, siendo particularmente incómoda en los momentos en que se escucha la horrible voz de Alpha 60, al parecer cedida por un enfermo de cáncer de laringe. La belleza personificada que es Anna Karina, sin embargo, constituye uno de los puntos más agradables del filme, especialmente en esos primeros planos tan genialmente iluminados que el realizador consigue gracias al trabajo de Raoul Coutard, el director de fotografía.

La envolvente música de Paul Misraki logra la atmósfera y tensión adecuadas para construir un filme que bebe del cine negro clásico hollywoodiense, a pesar de que en el personaje interpretado por Constantine veo a un vejestorio más que a un detective. No obstante, quizá fuese eso precisamente lo que pretendiese Godard.

TODO SOBRE MI MADRE, Pedro Almodóvar (1999) [7,1/10]

2011-11-04T14:50:00.000-07:00

Todo sobre mi madre, de Pedro Almodóvar, es una bonita película que gira en torno al que es, con toda seguridad, el amor más fuerte que existe sobre la faz de la Tierra: el que siente una madre hacia su hijo. Así, el director manchego nos habla de la maternidad, la cual extrapola a su conocido universo particular de putas, travestis y horterísima posmodernidad.

La trama se centra en Manuela (Cecilia Roth), una mujer que, tras perder a su hijo en un accidente, decide volver a Barcelona para contárselo a su padre, a quien no ve desde el nacimiento de la criatura y a quien el niño siempre quiso conocer.

La película es aceptable a lo largo de todo el metraje, sosteniéndose sobre todo gracias al excelente trabajo de las actrices, pero finalmente asistimos a un aterrizaje bastante forzoso y cogido ligeramente por los pelos. Y es que la escena del encuentro entre Manuela y el padre del niño es de las cosas más cutres y peor hechas que he visto en mi vida, nada creíble, fatal montado y peor dirigido. Chirría por todos lados, y Almodóvar se pasa cinco pueblos en su melodramatismo.

Lo mejor, aparte del guión en su aspecto más general, es el vestuario y la tan característica puesta en escena, generando esa atmósfera tan identificable al instante con su autor.

La película engancha, y obtuvo un merecido Óscar a la Mejor Película Extranjera además de un Goya, pero, sinceramente, esperaba algo mejor. También es cierto que me falta, por lo menos, la mitad de la información para llegar a entender Todo sobre mi madre en su totalidad, y es que, sé que no tengo perdón de Dios, pero aún no he tenido ocasión de disfrutar de Eva al desnudo, de Joseph L. Mankiewicz.

POZOS DE AMBICIÓN, Paul Thomas Anderson (2007) [6,7/10]

2011-10-31T08:37:00.000-07:00

Basándose en una novela de Upton Sinclair, en 2007 Paul Thomas Anderson estrenó Pozos de ambición, película por la cual Daniel Day-Lewis se llevó el Óscar al Mejor Actor.

Es la historia de un pequeño empresario, un hombre hecho a sí mismo, que empezó de cero y se convirtió en un magnate del petróleo. Un ejemplo para la doctrina liberal, que lucha contra sus competidores pero subordinando todo a su búsqueda de ganancia, incluso su familia, llegando así a la más patética de las autodestrucciones.

Con una música de Jonny Greenwood tan estridente como incómoda, Paul Thomas Anderson dirige una película en la que vuelve a dejar claro que es un gran director, aunque un no-tan-buen guionista, presentándonos una historia, como bien indica la traducción al castellano de There will be blood, acerca de la ambición de un hombre y de cómo esa ambición lo conduce a la locura.

También se señala a la religión como manipuladora de mentes, especialmente las de aquellos que nada tienen, y que constituyen una excelente presa para los charlatanes, ya sean éstos religiosos o económicos.

En su interpretación Daniel Day-Lewis se transforma completamente y da verdadero pavor, aunque por desgracia hay escenas en las que también causa risa involuntaria, siendo éste uno de los grandes fallos de la película. Otro es su extensísima duración. La película se hace condenadamente larga, y hay momentos en los que no se entienden las reacciones de los personajes.

Sin ninguna duda, uno de los mejores aspectos del filme es su arranque, silencioso, dejando trabajar a la imagen, haciendo Anderson cine de verdad.

MAGNOLIA, Paul Thomas Anderson (1999) [7,9/10]

2011-10-27T15:56:00.000-07:00

Magnolia, dirigida por Paul Thomas Anderson, es una brillante película acerca de cómo se dan las relaciones personales en nuestra sociedad, poniendo especial atención al perdón.

Al igual que más adelante hará Aronofsky con Réquiem por un sueño, Anderson relativiza el éxito y lo pasa por un tamiz de desconfianza y crítica, con una poética obra tan humana como melodramática, y en cualquier caso acertada con creces.

La realización sólo puede ser calificada de magistral, estando en todo momento al servicio de la historia que se quiere contar, basada en un guión del propio Anderson muy bien estructurado sobre historias cruzadas que, aparentemente, no tienen nada que ver pero, poco a poco, se va viendo de qué manera están conectadas.

Demasiado larga quizá, la película cuenta con una preciosa banda sonora dirigida por Jon Brion que incluye canciones de Aimee Mann, además de presentarnos a uno de los mejores Tom Cruise que se recuerdan en la pantalla en el papel de un histriónico charlatán que ayuda a fracasados a ser unos verdaderos machos dominantes.

Magnolia es cine del bueno, un espejo puesto ante la sociedad, ante nosotros mismos. Una forma de decirnos “mirad, así sois, tanto para lo bueno como para lo malo”.

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS, Enrique Urbizu (2011) [7,7/10]

2011-10-23T18:59:00.000-07:00

Una de las últimas grandes películas que ha producido el cine español es No habrá paz para los malvados, del director vasco Enrique Urbizu. Mejor dirigida que escrita, la película presenta un oscurísimo universo de drogas y terrorismo que me atrapa y no me suelta, pero también es cierto que algunos cabos se me quedan sin atar, y que no logro comprender todo lo que me gustaría el comportamiento de Santos Trinidad, interpretado por el mejor Coronado que yo he visto jamás en una pantalla.

El actor, como ya digo, está genial, me lo creo con creces, y Urbizu lo dirige en este thriller magistralmente, dando vida a ese antihéroe tan clásico del cine negro, alcohólico y con una frontera entre el bien y el mal lamentablemente difusa.

La película parece querer decir que a cada cerdo le llega su San Martín y que las malas acciones tienen su castigo, a pesar de que éste no venga impuesto por aquellos más adecuados para impartir justicia, y acaben por lo tanto también ajusticiados.

La fotografía de Unax Mendía se complementa con la música de Mario de Benito para generar una atmósfera idónea que da lugar a una película hecha como Dios manda.

LA CHAQUETA METÁLICA, Stanley Kubrick (1987) [8,3/10]

2011-10-19T13:53:00.000-07:00

La chaqueta metálica, de Stanley Kubrick, es una película antibelicista, crítica con el imperialismo yanqui y la cultura capitalista globalizadora que se presenta ante la sociedad del espectáculo con la amable cara de Mickey Mouse.

Con un excelente inicio más cercano de lo cómico que de lo dramático, podría parecer que más adelante la película pierde algo de fuelle, pero igualmente posee perturbadoras escenas con las que lo mismo esbozas la más amplia de tus sonrisas como adoptas la más serena de las actitudes.

Al igual que ya hizo Coppola con Apocalypse Now o Cimino con El cazador, Kubrick trae la locura que ya mostró en El Resplandor a la guerra de Vietnam, plasmando en La chaqueta metálica esa atmósfera tan suya, inquietante, con una fría puesta en escena y unos largos planos conseguidos por una cámara que se desliza con tanta clase.

El director vuelve a hacer de la violencia su tema, utilizando como escenario la guerra de Vietnam, donde las marchas militares son la banda sonora y la irracionalidad de la barbarie humana se muestra en todo su esplendor.

LA VERGÜENZA, Ingmar Bergman (1968) [7,4/10]

2011-10-15T17:09:00.000-07:00

Habiendo sido Bergman muy criticado por no mojarse en política, en 1968 dirigió una película que, quizá, sirvió para cerrar la boca a más de un bocazas, regalándonos una de las obras más duras de su carrera cinematográfica, La vergüenza, protagonizada por dos gigantes de su cine, como son Max von Sydow y Liv Ullman.
La vergüenza nos habla de las consecuencias que la guerra trae consigo y la manera en que éstas afectan al ser humano. Para ello, Bergman centra su historia en un matrimonio de músicos que se ve tristemente golpeado por la contienda bélica, lo cual, y de nuevo vuelve una de las constantes en el cine de Bergman, afecta a su matrimonio además de a sus vidas propias. El director sueco aprovecha para hablarnos de las relaciones interpersonales de pareja, de los celos, de la confianza y de las infidelidades, de cómo la guerra saca lo peor de nosotros, incluso contra la gente a la que más amamos.
Esta película muestra algo que, por desgracia, en España conocemos al dedillo, y es cómo la guerra es capaz de separar lo inseparable: hermanos, amigos, parejas. La irracionalidad de la guerra no conoce límites, y arrasa con todo, no dejando títere con cabeza a su paso.
Llama la atención también la crítica que puede entreverse hacia los medios de comunicación y su tendencia a espectacularizar la muerte, sirviendo en muchos casos de coartada para justificar toda suerte de matanzas y barbaries.
La realización se caracteriza por unos planos largos que, en ocasiones, pueden llegar a ser secuencia, y en la que, lógicamente, no hay música. ¿Cómo si no iba a tratarse la muerte de un par de ex-músicos de orquesta?

GRUPO SALVAJE, Sam Peckinpah (1969) [8,1/10]

2011-10-11T10:47:00.000-07:00

A finales de los sesenta, cuando parecía que el western y en general el cine clásico ya habían acabado, llegaron algunos lunáticos como Sergio Leone o Sam Peckinpah para reinventarlo, y es en este contexto en el que se realiza Grupo salvaje, de Peckinpah, uno de los mejores filmes del oeste de todos los tiempos.
En él vemos a un grupo de cazadores de recompensas que van tras la pista de unos veteranos atracadores. Para más INRI, uno de los caza-recompensas fue ladrón en su día, e íntimo amigo del cabecilla de la banda a la que pretende ahora parar los pies.
Sam Peckinpah hace de la violencia su firma personal y la deja grabada en nuestra retina con tinta indeleble. Lo interesante es que, además, mira hacia los niños y en general hacia los desfavorecidos, para reflexionar acerca de cómo afecta a estos desgraciados la violencia y la barbarie social, de manera tan injusta e indiscriminada.
Valores como la amistad, la traición o la crueldad son los que se tocan en Grupo salvaje, una película en la que, al igual que recientemente vimos en la serie de la HBO The Wire, el bien y el mal se diluyen hasta el punto de confundirse el uno con el otro. Tanto es así que, por desgracia o por fortuna, en este western de Sam Peckinpah no podemos encontrar siquiera un solo personaje que nos sirva de modelo o de referencia. Aquí no hay ningún Indiana Jones; sino que todos son malos o tienen algo por lo que avergonzarse, no me gustaría ser como ninguno de los personajes que aparece en la película. Pero, eso sí, éstos son carismáticos a más no poder, de forma que la película se hace entretenida y fácil de seguir.
El director demuestra que conoce el lenguaje del western, manteniendo la tensión, y dejándonos una película excelentemente dirigida.

EL ÁNGEL EXTERMINADOR, Luis Buñuel (1962) [7,3/10]

2011-10-07T15:20:00.000-07:00

El ángel exterminador, de Luis Buñuel, es una magnífica película en la que el director aragonés realiza una estupenda crítica social hacia la clase ociosa, encerrada en sí misma, en la que la charlatanería sustituye a la acción efectiva con vistas a cambiar las cosas.
Para ello, el autor se sirve de una cena de la alta sociedad tras la que, sin aparente razón, los invitados no pueden salir del salón. Tal planteamiento tan surrealista sirve de base a Buñuel para explicarnos cómo las pasiones más primitivas del hombre tienden a florecer en los momentos más críticos.
Aunque lamentablemente me falta cultura general para atar todos los cabos, puede apreciarse que la película está cargada de simbolismo por doquier, y con una maravillosa puesta en escena, se ataca esa falsa cortesía hipócrita y esa preocupación por el qué dirán de las cuales la sociedad hace gala, en una obra que se hace tan entretenida como corta.

APOCALYPSE NOW, Francis Ford Coppola (1979) [8/10]

2011-10-03T16:36:00.000-07:00

Basándose en El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, en 1979 Francis Ford Coppola estrenó su particular descenso a los infiernos con uno de los filmes más emblemáticos de todos los tiempos, Apocalypse Now.

La película es un original alegato antibelicista que retrata la crudeza y el horror de la guerra como pocas películas lo han hecho a lo largo de la Historia del cine. Podemos ver en Apocalypse Now cómo enloquece cada personaje ante la catástrofe que supone la Guerra de Vietnam, icono de la derrota del todopoderoso Tío Sam y uno de los capítulos más tristes de su historia.

El reparto está encabezado por Martin Sheen, que interpreta a un soldado a quien se le asigna la misión de encontrar al desertor coronel Kurtz (Marlon Brando) y matarlo. Así, descenderá al infierno que supone adentrarse en la peligrosa jungla, donde el temible Vietcong le aguarda sigilosamente.
Uno de los aspectos más dignos de alabar de la película es la atmósfera lograda gracias a esa tensa tranquilidad que transmite por momentos con ese ritmo tan pausado y a la efectiva fotografía de Vittorio Storaro, la cual bien le mereció el Óscar.
También son dignos de mencionar, por un lado, el papel de Robert Duvall, tan hilarante por su comportamiento como triste por su reflejo de lo que la guerra hace con un hombre; como, por otro, la escena inicial, que, irónicamente acompañada por The End de The Doors, constituye uno de los inicios más impactantes de todos los tiempos.

Es sabido que el rodaje de Apocalypse Now fue una locura sin precedentes en Hollywood, pero, a pesar de todo, la película puede presumir de contar a lo largo de su extensísimo metraje con algunas de las escenas más famosas de la Historia del séptimo arte, como por ejemplo esa bandada de helicópteros envuelta en la partitura de Wagner.

EL ÁRBOL DE LA VIDA, Terrence Malick (2011) [5,7/10]

2011-09-29T20:53:00.000-07:00

Una vez más, el jurado del Festival de Cannes se ha vuelto a lucir. Si el año pasado otorgaban la Palma de Oro al tostonazo de Apichatpong Weerasethakul, este 2011 se la han dado a El árbol de la vida, del aclamadísimo director Terrence Malick.

Al igual que aquella gafapastada tailandesa, esta película también habla, como su propio nombre indica, de la vida, de la conexión espiritual que existe entre las distintas partículas y moléculas que conforman el universo, de la creación, desarrollo y desaparición de la materia viva, entre la que estamos nosotros, los humanos, tan importantes para nosotros mismos pero tan insignificantes para la inmensidad del espacio y el tiempo.

El árbol de la vida es una película arriesgadamente pretenciosa, muy poética, quizá demasiado, con unos hermosos planos tan aberrantes como innecesarios que, gracias en gran parte al tratamiento del sonido, crean una atmósfera muy similar a la que consigue David Lynch en sus películas. A mí la película no me ha gustado, pero Terrence Malick demuestra en ella que es un muy buen director. La forma de abordar la temática principal y las preguntas que se plantean a lo largo del filme parecen indicar que El árbol de la vida es la película que hubiese hecho Bergman si siguiese vivo. La diferencia es que el maestro sueco hubiera hecho algo más…normal.

Mediante un hipnótico tono onírico en el que se abusa de los grandes angulares, Malick recrea magistralmente esos vagos recuerdos que, no sabemos muy bien por qué, conservamos de nuestra infancia, esos momentos que permanecen imborrables en nuestra memoria.

La interpretación de Brad Pitt es correcta, pero no puedo dejar de verle como un mero reclamo para las masas sedientas de guaperas en la pantalla, más que como alguien verdaderamente adecuado para el papel.

Es cierto, la película no se hace aburrida, pero sí es preciso apuntar que se trata de una gafapastada de manual, cercana al cine experimental y en la que, al igual que ocurre con otras muchas películas, cobra más importancia el sentir que el ver y entender. Es decir, que si puedes verla habiendo consumido algún tipo de droga que te estimule los sentidos, tanto mejor, porque de lo contrario te quedarás, al igual que la mitad de la sala del cine al que fui a verla, con cara de haba.

Con El árbol de la vida, Terrence Malick ha hecho su particular 2001: Una odisea en el espacio, cine para culturetas y amantes del cine como arte, pero donde estén Indiana Jones y las películas del oeste, que se quiten todas las demás gilipolleces.

SER O NO SER, Ernst Lubitsch (1942) [9,1/10]

2011-09-25T08:43:00.000-07:00

Hablar de esta película ya es hablar de cosas mayores, y es que siempre se hace difícil hablar de algo que es prácticamente perfecto. Ser o no ser, dirigida por Ernst Lubitsch y producida por Alexander Korda, es una película sencillamente genial, brillante, buenísima.
A Edwin Justus Mayer se debe el guión de esta joya del séptimo arte que apostó por la risa y la carcajada ante la que es, con toda seguridad, la mayor tragedia que ha asolado Europa en el siglo XX. En Ser o no ser, Lubitsch hizo del nazismo una tragicomedia a través de la entrañable compañía de teatro que la protagoniza, la cual se las debió ingeniar para escapar de una Polonia ocupada por los nazis.
El guión es todo un ejemplo a seguir en cada uno de sus aspectos. Por momentos desternillante, pero también causante de emoción, perfectamente hilado y, en ocasiones, elegantísimamente sutil. Es uno de esos guiones que se van revalorizando más y más a medida que la película avanza, magistralmente estructurado y sin dejar ningún cabo suelto.
Ser o no ser, de Ernst Lubitsch, es una película preciosa y una garantía de carcajada, aunque por desgracia y por motivos evidentes, dicha carcajada está tristemente ensombrecida por un halo de amargura.

INSIDE JOB, Charles Ferguson (2010) [7,3/10]

2011-09-21T17:00:00.000-07:00

En la pasada gala de los Óscar, la película que ganó el premio al mejor documental fue Inside Job, dirigida y escrita por Charles Ferguson y narrada por el actor Matt Damon.
El documental se adentra en las causas de la crisis económica y financiera que aún a día de hoy venimos padeciendo, para acabar por señalar con el dedo a sus culpables y tratar de arrojar algo de luz ante una población mundial que parece adormecida, cuando lo que quizá le ocurra es que está, sencillamente, desinformada.

El estilo, lamentablemente, no es todo lo divulgativo que a mí me hubiera gustado, siendo en ocasiones difícil de seguir por todos aquellos que, como un servidor, no tienen ni pajolera idea de macroeconomía. Pero no creo que importe porque, pienso, no se pretende convertir al espectador en alguien que comprende al dedillo lo que ha ocurrido, sino que, todo aquél que vea Inside Job, salga con una idea general: se podría decir que la crisis encontró su pistoletazo de salida a partir de las políticas desreguladoras en el sector financiero impulsadas por el gobierno de Ronald Reagan, y que, desoyendo todo tipo de advertencias, la burbuja ha ido haciéndose más y más grande hasta haber explotado hace unos años, siendo que los responsables de semejante catástrofe no sólo no han sido procesados, sino que siguen a los mandos de todo el tinglado bajo la administración del hombre que parecía ser el salvador de la humanidad, Barack Obama, icono progre y aparente prometedor del cambio. Así las cosas, el gobierno de la mayor potencia mundial resulta estar en manos de una pandilla de puteros y cocainómanos sin ningún tipo de escrúpulo, y lo más grave, lo que más me ha sobrecogido viendo este documental de Ferguson, es que esa doctrina ultraliberal es la que se imparte en las más prestigiosas facultades de Economía como paradigma y modelo a seguir. Escalofriante.

Aunque, como ya decimos, puede ser un poco liosa al principio y el espectador puede verse abrumado ante tal catarata de nombres (algunos de ellos técnicos), siglas e información, la película cuenta con un planteamiento, nudo y desenlace, llevando un buen ritmo y, en ocasiones, permitiendo respirar al espectador con pequeños toques cómicos protagonizados por la torpeza de algunos de los asesores financieros entrevistados por Ferguson que quedan en evidencia ante la cámara. Ni que decir tiene que, muchos de los nombres que Ferguson apunta como directamente culpables de la crisis, ni siquiera se atrevieron a ser entrevistados, lo cual no deja de ser una pena, aunque también algo muy lógico.

Con Inside Job, el director apela al público para que se movilice y haga algo para pararle los pies a esta pandilla de terroristas financieros que se han adueñado del porvenir de millones de personas.

OCTUBRE, Sergéi M. Eisenstein (1928) [7,8/10]

2011-09-17T08:26:00.000-07:00

Con motivo del décimo aniversario de la gloriosa revolución socialista que el proletariado de Rusia llevó a cabo en octubre de 1917, Sergéi M. Eisenstein, autor de la emblemática El acorazado Potemkin, dirigió Octubre, un filme que, rozando el género documental, muestra una acertada cronología de los hechos a partir de la Revolución de Febrero que derrocó al Zar para colocar un gobierno provisional dirigido por Kerenski.

En la película aparecen algunos de los bolcheviques más importantes de aquella revolución, como son Lenin, Trotski o Stalin, y en ella el director muestra imágenes tan estremecedoras como emocionantes.

Con el característico montaje que ha hecho del cine soviético en general, y el de Eisenstein en particular, una fructífera fuente de estudio, en Octubre se dirigen y manipulan con excelente facilidad las emociones del espectador para situarlas del lado de los revolucionarios bolcheviques. La alternancia de planos para generar una tercera idea (algo que se conoció como el “montaje de las atracciones”) logra el efecto que se propone, a pesar de que, evidentemente, la mirada del espectador de hoy está muy evolucionada con respecto a la del espectador de finales de los años veinte, y la propaganda ya no es tan efectiva. También es cierto que el espectador se ha ido haciendo más desconfiado con el tiempo, pero sea como sea, nada impide disfrutar de esta obra maestra de uno de los directores más importantes de la Historia del Cine.

LA FORTALEZA ESCONDIDA, Akira Kurosawa (1958) [7,3/10]

2011-09-13T05:10:00.000-07:00

Es de sobra conocido que esta película de Kurosawa sirvió de inspiración a George Lucas para realizar la mitiquísima saga de Star Wars. Pero yo diría que incluso pudo influir en otras muchas películas del género de aventuras de la época, como por ejemplo las de Indiana Jones.

La fortaleza escondida tiene un ritmo ascendente, te va atrapando poco a poco, haciéndose con el tiempo más y más entretenida gracias, en parte, a los graciosos gags visuales de los que hace gala.

Además, la música de Masaru Sato acompaña la acción magistralmente, lo cual, sumado a la brillante puesta en escena del director japonés, constituye una deliciosa película muy agradable de ver.

En La fortaleza escondida, Kurosawa nos habla de la codicia entre los hombres y sus consecuencias: pequeñas peleas entre hermanos y grandes guerras entre pueblos, y con un final prácticamente igual que el de Rahomon (el no haber visto más películas del director me impide señalar si esto es una constante en su cine), la película resulta ser una especie de cuento moral de necesario visionado.

LA PIEL QUE HABITO, Pedro Almodóvar (2011) [7,2/10]

2011-09-09T18:40:00.000-07:00

Uno de los acontecimientos más sonados que suceden en la vida de todo español tiene lugar cuando Pedro Almodóvar se dispone a estrenar su última obra maestra. O bien la esperas con los brazos abiertos o bien te pones a despotricar contra el director manchego y su cine posmoderno, pero los prejuicios se pegan a ti y no te sueltan hasta que terminas de ver la película, y entonces ya te puedes formar una opinión. Respecto a La piel que habito, yo me la esperaba peor de lo que luego me he encontrado en la sala de cine.

Basada en una novela de Thierry Jonquet, la película cuenta con una curiosa estructuración del guión. Hay momentos en los que uno tiene la sensación de estar viendo una película distinta a la que han empezado a contarle en un principio, y acaba por hacerse un pelín larga.

El melodramatismo tan característico de Almodóvar volverá a ahuyentar a los habituales detractores del director, y hará que los actores suenen demasiado falsos, siendo que ninguno de ellos destaca en absoluto.

Llevando el síndrome de Estocolmo a su máxima expresión, La piel que habito habla de la venganza, del rencor y de la relación existente entre ambos, salpicando la escalofriante trama con esos temas tan habituales en el cine de Almodóvar que ya hace tiempo se convirtieron en su seña de identidad: las mujeres, lo erótico y lo homosexual.

Hay momentos en los que creo que me debería reír ¿o quizá no? No lo sé, pero el caso es que no lo hago, no tiene la más mínima gracia aquello que estoy viendo, pero no porque me parezca emotivo, profundo o serio, sino porque no me genera ni pizca de empatía, sólo indiferencia.

Lamentándolo mucho, la música de Alberto Iglesias llega a molestarme, aunque la fotografía y la puesta en escena hacen que disfrute de la película después de todo. Una película aceptable que el director sabe salvar en su última escena, demostrando que, podrá gustar más o menos, pero no cabe duda de que es un buen director y uno de los más importantes de este país.

SUPER 8, J. J. Abrams (2011) [7,6/10]

2011-09-05T17:35:00.000-07:00

Tras haber logrado que gran parte de los espectadores de todo el mundo acaben echando espuma por la boca después de haber visto el final de Perdidos, J. J. Abrams vuelve al cine apadrinado por Spielberg con Super 8, una bonita película en la que ambos han decidido hacerse un homenaje a sí mismos.

Es imposible no ver la semilla del director de E.T., el extraterrestre y Encuentros en la tercera fase en esta película de J. J. Abrams: en su atmósfera, en sus luces, en sus personajes, en su ambientación, en su pulso. Abrams se postula con toda su fuerza como uno de los candidatos a ocupar ese puesto de realizador de películas palomiteras y de simple divertimento, pero buenas hasta la médula.

Super 8 se parece en cierto sentido a aquel otro experimento cinematográfico dirigido por su amigo Matt Reeves y en el que J. J. Abrams también estuvo involucrado, Monstruoso. De nuevo, el caos irrumpe en la tranquilidad y cotidianeidad de una población para tocar las pelotas y regalarnos dos horas de entretenimiento puro y duro.

En el caso de Super 8 la historia se centra en un grupo de chavales con madera de cineastas (evidente referencia autobiográfica tanto de Spielberg como de Abrams) que, una noche de verano, presencian un accidente de tren, desencadenándose toda una suerte de peligros a lo largo y ancho del pueblo en el que viven.

Aparte de la aparentemente superficial trama principal, es sumamente precioso y emotivo el tratamiento que el director realiza de las relaciones paternofiliales, a lo cual ha ayudado tanto la interpretación de los actores (ninguno chirría, todos están a la altura) como la solidez de los personajes (obra del propio Abrams, cuyo guión mantiene el ritmo a lo largo de todo el metraje y no se hace aburrido ni un solo momento).

Super 8 es una entretenidísima película que uno disfruta muchísimo al verla, queriendo volver a esa etapa de pre-adolescencia en la que fumabas cigarrillos a escondidas y las chicas de clase, de repente, te atraían.

BIG FISH, Tim Burton (2003) [9,2/10]

2011-09-01T18:23:00.000-07:00

Uno de los aspectos que más valoro en un director de cine es que, con sólo ver un fotograma de alguna de sus películas, reconozca su autoría. Esto pasa, por ejemplo, con Bergman, aunque directores más actuales como Tarantino también se han creado su universo propio y se han hecho dueños de un estilo que es inconfundiblemente suyo y solo suyo. Otro de esos directores con universo propio, el cual puede gustar más o menos pero es único, es Tim Burton, caracterizado por una triste tendencia hacia lo oscuro y tétrico claramente influenciada por el Expresionismo Alemán. A mí, personalmente, el universo que me propone Burton no termina de engancharme, pero el otro día ví por primera vez Big Fish y casi tuve que contener alguna lagrimilla.

Supongo que no estaré diciendo ninguna locura si digo que es la mejor película que ha hecho Tim Burton en su vida, porque Big Fish me ha conmovido sobremanera. La historia nos sitúa ante un hombre (Albert Finney) al borde de su muerte y el hartazgo que siente su hijo (Billy Crudup) a causa de la puñetera manía de su padre de estar continuamente contando historietas y su aparente incapacidad para distinguir la realidad de la ficción.

Así, Tim Burton nos propone una preciosa película acerca del arte de contar historias y de la importancia que éstas tienen en nuestras vidas, del hambre de ficción que padece el ser humano y de la inmortalidad que adquiere aquello de lo que siempre se está hablando. Con un guión de John August basado en una novela de Daniel Wallace, Tim Burton rompe una lanza en favor de la fantasía como instrumento para hacer de nuestra vida algo bello y digno de ser vivido.

La realización de Big Fish es fácil, apta para todos los públicos y, como señalábamos más arriba, con una atmósfera firmada por Burton en la que cabría destacar la genial separación que Philippe Rousselot, el director de fotografía, consigue entre el mundo real y las historietas a modo de flashbacks que cuenta el personaje interpretado por Albert Finney, las cuales se acercan a lo onírico.

Pero lo más bonito de Big Fish es su frescura y la alegría que transmite. Big Fish da la sensación de haber sido realizada en total libertad, haciendo el director lo que verdaderamente quería hacer y diciendo exactamente lo que quería decir.

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS, Rupert Wyatt (2011) [7,1/10]

2011-08-28T05:43:00.000-07:00

Una de las sorpresas que este verano ha traído consigo en lo que a cinematografía se refiere ha venido representada por El origen del planeta de los simios, de Rupert Wyatt; película que vuelve a traer a la palestra aquella terrible historia llevada al cine por Franklin J. Schaffner para preguntarse cómo y por qué pudieron los simios hacerse con el poder.

Con unos personajes ligeramente planos y bastante maniqueos, la película invita a reflexionar en torno a la idea de ser diferente y reconocerse como tal en una sociedad. Uno de los fuertes de la cinta dirigida por Wyatt es el haber mostrado el lado más humano de los simios, no sólo en lo que a apariencia física se refiere (la tecnología, a día de hoy, hace maravillas), sino en cuanto a sentimientos como la solidaridad o la pena.

Como ya decimos, el guión flojea en la construcción de personajes, y la relación entre James Franco y Freida Pinto no se la cree ni Dios; pero da igual, porque lo que cuenta es la relación con César (Andy Serkis), el simio líder, y la suerte que correrá junto con sus compañeros en su cruzada contra el ser humano. La película tiene un momentazo que no me resisto a comentar, que es cuando César le espeta un atronador "¡NO!" a su cuidador-maltratador. ¿Acaso existe una palabra mejor que ésa para reflejar la idea de Revolución?

El origen del planeta de los simios es una película muy entretenida, y prueba de ello es que uno no quiere que se acabe, deja con ganas de más. Lo que sí le achacaría es el excesivo uso del ordenador para seguir a los monos en su movimiento por el espacio, que a veces se nota demasiado por generar movimientos en absoluto necesarios para la narración.

PEQUEÑA MISS SUNSHINE, Jonathan Dayton y Valerie Faris (2006) [7,7/10]

2011-08-24T11:36:00.000-07:00

Una de las sorpresas que trajo la primera década del nuevo siglo fue Pequeña Miss Sunshine, cuyo guión, obra del genial Michael Arndt (autor de Toy Story 3), bien mereció el Óscar al mejor guión original en 2006.

Dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris, ambos realizadores procedentes de la televisión y debutantes en el celuloide con esta película, Pequeña Miss Sunshine habla a favor de la sencillez y en contra de la pomposidad, la artificialidad y el snobismo.

El argumento gira en torno al viaje que una peculiar familia realiza para que la niña de la casa pueda participar en un concurso de belleza infantil.

Uno de los aspectos más interesantes del guión de Arndt es la forma que tiene de jugar con los contrastes, lo que otorga a sus personajes una personalidad y una solidez que hacen funcionar a la película de manera absolutamente majestuosa. Que el padre, por ejemplo, sea un fracasado que pretende ganarse la vida con libros de autoayuda para alcanzar el éxito, o que el abuelo sea un drogadicto vivalavirgen que, sin embargo, sabe muy bien qué es lo mejor para su nieta; son sólo algunos de los elementos que hacen que Pequeña Miss Sunshine funcione con la precisión de un reloj suizo.

Con un interesante discurso elegantemente camuflado entre una trama aparentemente superficial, la película alberga momentos realmente divertidos y los alterna con otros más profundos, haciendo de Pequeña Miss Sunshine una película cuanto menos interesante y una de las apuestas más interesantes del cine independiente norteamericano que se recuerdan de los últimos años.

CONAN, EL BÁRBARO, Marcus Nispel (2011) [4,4/10]

2011-08-21T18:00:00.000-07:00

Conan, el bárbaro, de Marcus Nispel, es una película que deja mucho que desear, que se reduce a un puñado de luchas, destrucciones y violencia, aunque sin duda la mayor catástrofe de esta mierda de película es su guión, horripilante hasta la médula.

No hay ni un solo personaje carismático en toda la puñetera peli, y sus “diálogos” consisten principalmente en gritos y gruñidos más propios de bestias que de hombres. Pero claro, es que Conan es bárbaro.

Tampoco existen en esta obra de Nispel esas gracietas que tan bien quedan en las películas de acción de este tipo, y los personajes, por mucho 3D que tengan metido, son planos hasta la extenuación.

Por otra parte, se ha optado por un montaje demasiado picado, hasta el punto de costar sangre, sudor y lágrimas leer el fotograma al completo, y no digamos ya si contamos con unas gafas para visión tridimensional, cuyos cristales oscuros entorpecen más que ayudan.

Siendo, de todas formas, la segunda mitad menos mala que la primera, la película da la sensación de tener velocidad pero no conocer siquiera el significado de la palabra “ritmo”. ¿Cómo es posible que un montón de escenas de acción, explosiones, sangre y villanos saltando por los aires sea algo aburrido? Pues Nispel lo ha logrado, haciéndome emitir los más sonoros de mis bostezos, únicamente silenciados por los berridos que pegaba Conan el bárbaro cada diez segundos de metraje.

Es triste, pero la película no vale ni como peli palomitera. El vestuario y el maquillaje se pueden salvar de la quema, pero todo lo demás, a la hoguera con ello.

STYLISH BLOGGER AWARD

2011-08-19T18:12:00.000-07:00

Me comunican Isak Borg, autor del blog El amor después de mediodía; y Rafa Morata, autor de Parcelas de cine y todo un experto en Fassbinder, que he sido premiado con un Stylish Blogger Award, un premio simbólico que pretende reconocer la calidad de los blogs así como dar a conocer a los demás blogueros, creando una red de blogs interconectados.

Debo, además, nominar yo a siete blogs y concederle el codiciado premio a uno (o varios) de ellos, para posteriormente pasar a contar siete anécdotas que me hayan ocurrido y que de alguna u otra forma estén relacionadas con el cine.

Antes de nada, sí me gustaría agradecer de corazón a Isak Borg y a Rafa Morata su decisión de premiar a Huele a palomitas, un pequeño habitáculo virtual que con el tiempo se va convirtiendo en una suerte de templo del gafapastismo audiovisual, y al que siempre estarán invitados para dejar sus comentarios e impresiones.

Sin más, paso a mencionar los siete blogs:

- El amor después de mediodía, por la pasión por el cine que transmite en cada una de sus líneas.

- Crítico de bolsillo, por su sinceridad y su afán por conocer.

- Misión de audaces, por ser uno de los que me inspiró para lanzarme yo también a escribir un blog.

- I’m Mr. Kaplan, por su originalidad y su diseño.

- Parcelas de cine, por su personalidad y su universo propio.

- Cinema Paradiso, por sus programas y su formato.

- El cine según TFV, por la cantidad de datos que alberga en sus páginas.

Y ahora, las siete anécdotas:

- Era una reposición de Bambi, a principios de los noventa, y creo que fue la primera película que mi hermano veía en el cine. El caso es que cuando la película iba a empezar y las luces se apagaron, mi hermano de dos años y pico, con su lógica aplastante, gritó: “¡No apaguéis las luces, que no vemos!”.

- Celebraba mi cumpleaños, y para ello fuimos al cine a ver El guerrero número trece. Uno de mis amigos se estaba meando, hasta el punto de no poder aguantar más, y para cuando consiguió salir del patio de butacas sorteando a duras penas las rodillas de los espectadores ya era demasiado tarde: se lo hizo encima. Lo peor es que en los pantalones llevaba un chicle que más tarde dio desinteresadamentre a otro chaval. No me quiero ni imaginar a qué sabía.

- Yo puedo decir que he visto a la Duquesa de Alba en el cine. Fue en los Yelmo de la plaza de Jacinto Benavente, en Madrid. La película era Última llamada.

- La entrevista que hice como trabajo para la facultad a Javier Ocaña, crítico de cine de El País, así como el curso impartido por él a cuyas clases acudí muy gustosamente.

- Ir andando por la Gran Manzana con mi madre y mis hermanos y cruzarnos con Peter Coyote. Juro que no estoy de coña, era él.

- No se me ocurre una sexta anécdota.

- La última anécdota no la puedo contar aquí, pero para que el personal se haga una idea, tiene que ver con novia y sala de cine vacía. La película era Paisito.

Gracias a todo aquél que ha invertido parte de su tiempo en leer algo de lo que hay publicado aquí. Gracias por enseñarme y por hacer que el cine me guste cada día más.

BILLY ELLIOT, Stephen Daldry (2000) [7,2/10]

2011-08-16T08:03:00.000-07:00

Stephen Daldry debutó en el cine con Billy Elliot, una preciosa historia escrita por Lee Hall acerca de aceptarse a uno mismo y a los de nuestro alrededor. El escenario, al igual que en muchos otros dramas sociales como Full Monty, vuelve a ser la Inglaterra de Tatcher, sacudida por sus políticas neoliberales y plagada de conflictividad social. En el condado de Durham, un chaval llamado Billy Elliot (Jaime Bell) no es demasiado hábil con los puños para dedicarse al boxeo, pero parece que, por el contrario, lo que sí se le da estupendamente es el ballet. En medio de la preocupación de su familia por el camino que ha decidido tomar el chico, Billy se esforzará día a día por llegar lejos haciendo lo que mejor sabe y, lo más importante, lo que más le gusta.

El hecho de que el hermano y el padre de Billy, ambos mineros de profesión, estén metidos en pleno conflicto laboral, invita al espectador a reflexionar hasta qué punto estaría uno dispuesto a defender sus principios y convicciones si está en juego la felicidad de nuestros seres queridos.

Como no podía ser de otra forma en una película que tiene la danza como trasfondo, la banda sonora de Billy Elliot está plagada de temazos que animan todos y cada uno de ellos a mover el esqueleto, y salir calle abajo, como hacía Billy, bailando y corriendo, disfrutando. Porque ese es otro de los pilares sobre los que se asienta Billy Elliot: la importancia de hacer con nuestra vida lo que nosotros queremos, y no permitir que sean los demás quienes la dirijan.

EL FUEGO FATUO, Louis Malle (1963) [7/10]

2011-08-12T16:26:00.000-07:00

Una de las películas más importantes de la Nouvelle Vague, aquella corriente cinematográfica que, influida por el neorrealismo italiano, vino a darse a finales de la década de los 50’ en Francia y que acabó por extenderse por toda Europa en forma de los llamados “nuevos cines”; una de las películas más representativas de estas nuevas olas, decimos, es El fuego fatuo, de Louis Malle.
En ella el director dirige un acertado golpe al corazón de la sociedad burguesa de principios de los 60’, plagada de nuevos ricos etnocentristas y snobs ególatras. Nos encontramos ante el viaje que Alain Leroy (Maurice Ronet) realiza por su pasado, visitando a sus antiguos amigos, camaradas y ligues, todos ellos ya maduros y casi peinando canas, algo que él parece incapaz de hacer, madurar.
Uno de los aciertos de Malle a la hora de afrontar la realización de El fuego fatuo es su negativa a irlo explicando todo conforme los acontecimientos van teniendo lugar. Así, deja que sea el espectador el que, por su propio pie, decida entrar en el universo interior de Leroy, identificarse o no con él, y participar de la experiencia que el director le propone.
El fuego fatuo constituye una reflexión y una invitación al debate en torno al cambio generacional, cuando ya se deja de ser joven e idealista y uno se da de bruces contra el muro de la realidad y de la hipoteca a pagar. Y ya no quedan ahí ni los camaradas, ni los amores, ni los amigos. Solo la soledad.

FUNNY GAMES, Michael Haneke (1997) [9,5/10]

2011-08-08T05:31:00.000-07:00

Funny Games, de Michael Haneke, es una de las películas que más me ha afectado desde que me llevo interesando por el cine. Mucha gente de mi entorno la conocía y me hablaban de ella, me enseñaron algunas escenas, y lo que definitivamente me atrapó de ella fue su frialdad a la hora de tratar un tema como el de la violencia.

Funny Games presenta a dos jóvenes que se meten en la casa de una familia más o menos acomodada y les torturan por diversión. Así, Michael Haneke hace lo que mejor sabe: hablar de violencia haciendo añicos la arquetípica familia occidental, poniendo especial atención al papel que los medios de comunicación desempeñan en su tratamiento, convirtiendo al ciudadano-espectador en una suerte de voyeur morboso que, aunque sea desagradable, no puede evitar mirar lo violento que ocurre ante sus ojos. Es ese pequeño y ligero placer que nos proporciona la violencia.

De nuevo, Haneke vuelve a dejar claro que esa película es suya, no sólo en el tema, que como ya decimos es muy habitual en él; sino también en su técnica a la hora de contar la historia; no sólo en el contenido, sino también en la forma. Planos largos, eternos, crudamente realistas son los que nos regala el director austriaco, generando una atmósfera opresiva y maloliente, desagradable en cualquier caso, pero morbosamente placentera. El espectador-voyeur es partícipe más que nunca de la acción que transcurre ante él.
Uno de los recursos que mejor le funcionan al director en esta película es el uso de los contrastes. ¿Cómo nos imaginamos nosotros a unos asaltantes de viviendas que torturan a sus inquilinos? Pues violentos, gritones, nerviosos, amenazadores, en definitiva, malos. ¿Pero qué ocurre en Funny Games? Ocurre que Paul y Peter son dos de las personas más educadas que jamás se hayan visto en una pantalla, y es eso lo que da verdadero pavor al espectador, que está asistiendo a una contradicción tan insalvable que todos sus esquemas interiores se descolocan, y se vuelve excesivamente vulnerable ante las imágenes que visiona, resultando Funny Games toda una tortura para aquellos que sienten y padecen por las injusticias sufridas por los demás. En este sentido, conviene fijarse en el inmediato inicio de la película: música clásica, ¿y a continuación? La paz y la tranquilidad que se respiraba bajo las notas de Haendel son rasgadas de arriba a abajo por la música endiablada de un grupo de punk costroso a más no poder. Ello supone una de las formas más elegantes y originales de introducir al espectador en lo que va a ver durante la próxima hora y media.

Funny Games es fría como el polo norte, no se permite el menor grado de humanidad. El director no muestra la menor empatía para con la familia, y eso nos duele, y a la vez hace de la película algo majestuoso. Incluso afecta más en un segundo visionado.

NI NOCHE CON MAUD, Éric Rohmer (1969) [4,5/10]

2011-08-04T09:07:00.000-07:00

Mi noche con Maud, de Éric Rohmer, cuenta la historia de un hombre católico (Jean-Louis Trintignant) que pasa una noche con Maud (Françoise Fabian), una amiga de un amigo; quien le ayuda a reflexionar y a tomar un importante decisión en su vida.

Salta a la vista que la película está realizada por un buen director, conocedor del oficio, y que ha puesto todo su empeño en hacer algo bastante aceptable. La realización, la fotografía y en general la puesta en escena denotan calidad, por lo que la película puede gustar más o menos, pero ahí ya únicamente intervendría la subjetividad del espectador.

En mi caso, quizá esté loco, pero creo que esta obra de Rohmer, una de las más importantes de la Nouvelle vague, es un coñazo bastante importante y digno de tener en cuenta.
De acuerdo, puede que la importancia, la esencia de la película, resida en sus diálogos acerca de Pascal, el matrimonio y el catolicismo, pero, llámenme banal, para eso me leo un libro. El cine, antes que diálogos, es movimiento, es acción (aunque sea interior), y una película que únicamente muestra a dos personas divagando acerca de temas interesantísimos deja mucho que desear en ese sentido.

La película parece querer hacer hincapié en esa sensación que tienen los verdaderos enamorados de que su relación es la definitiva, que todas las anteriores ya no importan, porque ésta y sólo ésta es la verdadera. Es algo así lo que le pasa a Jean-Louis en su noche con Maud.

CELEBRACIÓN, Thomas Vinterberg (1998) [8,1/10]

2011-07-31T14:33:00.000-07:00

Al igual que muchas otras personas, desde que lo conozco, he tenido la sensación de que el llamado “Movimiento Dogma 95” era un intento de llamar la atención por parte de ciertos directores con tendencia a la prepotencia, cuando no sencillamente imbéciles (como es el caso de Lars von Trier). Parece ser que allá por el 95, aún quedaba algún que otro mediocre que no se había enterado de que el cine ya había sido “reinventado” por un tal Godard en 1960, y que, quizá ante su incapacidad para hacer cine del de verdad, decidieron que eso de encuadrar mal, mostrar las imágenes desenfocadas o una fotografía al nivel del vídeo de mi comunión, eran cosas que no sólo no quedaban tan mal, sino que hasta eran originales, tanto como para crear una corriente cinematográfica y lograr que se hable de ti a lo largo y ancho de este mundillo del cine.

Junto con el mencionado von Trier, firmó el Voto de castidad del Dogma 95 otro director también danés llamado Thomas Vinterberg, siendo su película Celebración la que supondría el oficial pistoletazo de salida del Dogma 95 y una de las más celebradas entre los gafapastas fanáticos de dicho movimiento.

Celebración nos sitúa en el 60 cumpleaños de un importante ricachón de Dinamarca cuya familia ha acudido a su lado para celebrar un banquete y una pequeña fiesta en su honor. Lo que nadie sospecha es que uno de sus hijos está dispuesto a pronunciar un afilado discurso que no dejará indiferente a ningún comensal. Tampoco al espectador.

Celebración es un drama familiar que viene a hacer una crítica demoledora y mordaz a la burguesía, a esas familias de ricos que únicamente se miran su ombligo y rezuman hipocresía por los cuatro costados. Puede apreciarse también cierto guiño hacia las clases populares en el enfrentamiento que tiene lugar entre el servicio y los comensales, acercándose así el filme ligeramente a la crítica social.

Celebración cuenta con un guión que va poco a poco. Al principio puede hacerse un poco confusa, pero pronto el primer golpe en el estómago acaba por llegar, pillándonos con la guardia baja, y a partir de ahí la película se pondrá de lo más interesante.

En definitiva, Celebración resulta una película muy entretenida, a la que únicamente reprocharía la aparición de algún que otro personaje que desentona demasiado (literalmente, además, y perdón por la broma), y la puñetera realización dogmática propia de estudiantes de primero de realización más que de verdaderos cineastas.

PERDICIÓN, Billy Wilder (1944) [8,6/10]

2011-07-27T16:17:00.000-07:00

Una de las obras cumbres y fundacionales del cine negro es Perdición, dirigida por Billy Wilder y escrita junto con Raymond Chandler basada en una novela de James M. Cain.
Perdición trae a escena a una Barbara Stanwyck convertida en la femme-fatalle más temible de la Historia del Cine. Su víctima es Fred MacMurray, un vendedor de seguros con quien la mujer se compincha para cargarse a su marido y cobrar el dinero del seguro. Pero las cosas se torcerán, y para cuando MacMurray quiera enderezarlas, quizá sea ya demasiado tarde.
Al igual que volverá a demostrar posteriormente con peliculones como El crepúsculo de los dioses o Testigo de cargo, Billy Wilder, el maestro de la comedia, nos sumerge en la más absoluta de las tensiones y nos ata a la pantalla para obligarnos a presenciar una historia de decadencia, de vicio y de descenso a los infiernos de aquella corrupta sociedad que tan bien supo retratar el cine negro clásico.
La magistral dirección de Wilder queda patente desde el momento en que, a pesar de que el enamoramiento de Fred MacMurray por Stanwyck carece de toda lógica, al espectador no le importa lo más mínimo y pasa a quedar completamente hipnotizado por la tenebrosa luz negra que John F. Seitz se encargó de imprimir a la película y las imágenes que nos regaló Wilder en Perdición, toda una joya del séptimo arte.

LA EVASIÓN, Jacques Becker (1960) [8,2/10]

2011-07-23T16:11:00.000-07:00

Una de las películas que más desconocía y que a la vez es una de las obras más valoradas es la última película que dirigió el francés Jacques Becker, La evasión.

Basada en la novela de Jose Giovanni, La evasión sitúa la acción dentro de una cárcel francesa, en una de cuyas celdas los prisioneros traman una fuga. Con un estilo asombrosamente realista, favorecido en parte por los rostros desconocidos que ejercen de protagonistas, el director nos contará una historia de camaradería acerca de la belleza que reside en el camino hacia una meta, más que en la meta en sí.

La tensión lograda es de una calidad y perfección intachable, y Becker la sabe mantener en constante ascenso de una forma majestuosa. La larga duración de los planos en los que los presos lijan los barrotes o cavan hoyos, no hace sino aproximarnos aún más a esa celda, a respirar el cansancio y sentir el ansia de libertad con la que cargan los protagonistas, resultando La evasión casi un documental acerca del proceso que siguen cinco hombres para fugarse de una prisión.

Aparte del mencionado realismo, llama la atención cómo presenta el director la idea de la libertad. Cómo muestra a los personajes continuamente rozándola, acariciándola cada vez más, pero nunca llegando a agarrarla por completo, acercándonos así a la desesperación del preso, del que ha tenido el objeto deseado a su alcance pero, por una razón u otra, no ha podido o no ha querido hacerse con él aún.

TAXI DRIVER, Martin Scorsese (1976) [10/10]

2011-07-19T16:30:00.000-07:00

Existen películas que son de toda una generación. Por ejemplo, está la gente que se crió con Tiburón, o que crecieron con La Guerra de las Galaxias, o que su existencia ha ido pareja a la de Martin McFly en la película de Regreso al futuro. Pero también, del mismo modo que una generación entera se adueña de una película y la hace suya para la posteridad, puede ocurrir que una película sea apropiada, no por toda una generación, sino por únicamente una sola persona. Así, no es raro ver a alguien cuya película es Amélie, o que es incapaz de ser objetivo a la hora de hablar de Titanic, o que si no fuese por Casino su existencia no tendría sentido. Para cada uno de esos individuos “su película” es la mejor de todas, y siempre lo será. De acuerdo, están El Padrino, El Padrino II, Ciudadano Kane, etc., pero “su película” tiene algo que la hace diferente a las demás, y que la dota de un encanto que tiene ella y sólo ella, por lo que la hace especial y única, aunque objetiva e históricamente no sea la mejor.

Lo confieso, yo también tengo “mi mejor película”, esa con la que no puedo ser objetivo ni aunque me paguen, esa con la que tuve amor a primera vista, de la que, por no sé qué razón, quedé prendado para siempre y se ha convertido en algo más que una película para mí. Me refiero a Taxi Driver, de Martin Scorsese.

¿Fue porque en el momento de verla estaba pasando por una etapa amorosa que guardaba cierta relación con los fracasos de Travis Bickle (Robert de Niro)? ¿Fue porque, sin quererlo, me identifiqué con aquel pobre diablo tan patéticamente solitario? ¿Fue porque sentía como una puñalada cada una de las miradas de miedo, incomprensión, lástima que le lanzaban los distintos personajes de la película? ¿O fue porque yo también veía en mi día a día cosas parecidas a las que veía Travis desde su taxi? No lo sé, pero el caso es que desde que ví cómo, ya al final de la película, Travis deja a Betsy (Cybill Shepherd) en su casa sin siquiera cobrarle la carrera y lanzándole una última mirada a través del retrovisor mientras se pierde en la noche neoyorquina y aparecen los títulos de crédito con la música de Bernard Herrmann de fondo, mi vida no ha vuelto a ser la misma.

Lo sé, soy consciente de ello. Travis Bickle es un fascista asqueroso, un indeseable al que ni siquiera yo mismo querría tener de vecino. Pero es que, por mucho que me pese, no puedo dejar de ver en ese veterano de Vietnam una pobre víctima de algo que le ha venido demasiado grande. La historia de Taxi Driver es la historia de alguien que no puede más con la cantidad de mierda que ve día sí, día también, y que, humildemente, arrima el hombro un poquito para tratar de hacer de la sociedad algo mejor. ¿Y cómo lo hace? Sacando a una niña prostituta (Jodie Foster) de la calle y devolviéndola a sus padres, para que vaya al colegio y se eduque como Dios manda. Así, por lo menos, logrará mantener la conciencia mínimamente limpia, reluciendo ligeramente entre tanta suciedad. Lo siento, pero me parece la historia más preciosa llevada jamás al cine.

El guión de Paul Schrader no es especialmente bueno, y la producción no es que sea lo más, y tampoco la dirección de Martin Scorsese. Ni siquiera la música de Bernard Herrmann me apasiona. Pero no sé qué es lo que me pasa con Taxi Driver, que es la única película que consigue la cuadratura del círculo y logra convencerme de que dos más dos pueden ser cinco. En Taxi Driver se dan una serie de elementos que, por separado, pueden tacharse hasta de mediocres (es broma, nada en Taxi Driver es mediocre, ¡por Dios!), pero todos juntos, conforman un todo que funciona a la perfección, y que se extiende como la pólvora hasta crear la gran obra maestra que es Taxi Driver. Una obra que algunos consideran un western urbano, y que ya desde hace tiempo viene reivindicándose como película de culto. Lo mío con esta película tiene más de emocional que de racional.

DESAYUNO CON DIAMANTES, Blake Edwards (1961) [7,2/10]

2011-07-15T16:21:00.000-07:00

En 1961, basándose en una novela de Truman Capote, Blake Edwards dirigió una de las películas que pasó a convertirse en uno de los iconos del cine americano y mundial. Nos referimos a Desayuno con diamantes.

En ella vemos a la mujer más guapa del mundo que ha caminado sobre la faz de la tierra, Audrey Hepburn, interpretar a Holly Golightly, una buscona amante de las joyas y el dinero que continuamente está a la caza de un ricachón a quien beneficiarse. No obstante, aparecerá en su vida el escritor Paul Varjak (George Peppard), y las cosas quizá empiecen a cambiar.

En Desayuno con diamantes nos encontramos ante una bastante correcta dirección, con unos grandísimos actores y una preciosa música de Henry Mancini que conforman un todo tan sumamente armónico y casi perfecto que llega incluso a disimular la falta de verosimilitud que rezuma la historia por los cuatro costados.

Y es que estamos ante un mito de la Historia del Cine en el que los personajes no evolucionan lo más mínimo, y cuando lo hacen, ocurre de manera rápida y disfuncional. ¿Porque qué es lo que le hace a Holly cambiar de opinión y de filosofía de vida al final de la película? ¿La parrafada que le suelta el bueno de Paul? Y esa es otra ¿cómo diablos puede alguien enamorarse de alguien como Holly? Estas serán sólo algunas de las preguntas que se irá haciendo al aventurero que decida echarle un vistazo a Desayuno con diamantes y que, lamentablemente, quedarán sin respuesta.

Sin embargo, la película funciona, deja una sensación grata. ¿Por qué? Quizá sea porque Hepburn era demasiado guapa, o porque Moon River es una de las canciones más bonitas que se han escrito, o porque, sencillamente, estas son las cosas que hace el cine americano, jugar con nosotros, engañarnos, y engañarnos bien. Hacer magia y fabricar sueños como nadie.

UN TIPO SERIO, Ethan y Joel Coen (2009) [6,3/10]

2011-07-11T11:02:00.000-07:00

Uno de los elementos que con más gusto se saborean a la hora de echarle un vistazo a Un tipo serio, de Joel y Ethan Coen, es su suave y ligeramente gris fotografía, la cual contribuye a crear una atmósfera tan amarga como insólita en la que se desenvuelve Larry Gopnik.
Interpretado magistralmente por Michael Stuhlbarg, un reconocido actor de Broadway, Larry lleva una aparentemente feliz vida, tranquilo, con su mujer y sus hijos. Sin embargo un buen día, como quien no quiere la cosa, todo se le empieza a torcer y se verá obligado a afrontar diversas situaciones que le harán la existencia verdaderamente agobiante.
Con un tono oscilante entre la comedia y el drama, la película parece hablar de la opresión a la que día a día es sometido el ciudadano de a pie por parte de los elementos que conforman su vida: religión, matrimonio, comunidad, familia, etc. Uno quiere pensar que, para ser feliz en una vida que le cansa, lo que quizá necesite sea mirar las cosas con otros ojos, con otra perspectiva, que le ayuden a tirar para adelante y seguir encontrando su sitio y su identidad.
Siendo sensiblemente densa en su trama aunque sin llegar al aburrimiento, Un tipo serio está más cerca del drama que de la comedia, y no precisamente porque conmueva, sino porque apenas hace gracia.

KICK-ASS, Matthew Vaughn (2010) [6,4/10]

2011-07-07T14:38:00.000-07:00

Una de las películas del año 2010 que mejor acogida encontró entre el público fue Kick-Ass de Matthew Vaughn.
Basada en una historia de cómic escrita por Mark Millar y John Romita Jr., la película nos presenta al típico joven de highschool estadounidense (Aaron Johnson), un friki no demasiado agraciado, ligeramente patoso con las chicas y acompañado siempre de sus dos amigos igual o más frikis que él. El protagonista, un apasionado de los tebeos de superhéroes, descubre que es precisamente eso lo que falta en el mundo, un superhéroe que ponga un poco de orden ante tanto abusón.
Sin ningún lugar a dudas, lo mejor de Kick-Ass es su realización, muy respetuosa con lo que cabría esperar de la adaptación cinematográfica de un cómic. Las transiciones entre escenas, los letreros a modo de leyendas, las salpicaduras de sangre y el sonido de los golpes son de una violencia elegantísima y sencillamente majestuosos.
La primera mitad de la película no despertó en mí el mayor interés, era una película de superhéroes bastante original, pero no me entusiasmó demasiado. No obstante, puedo decir sin temor a equivocarme que la segunda hora del filme resulta de lo más entretenida, con más escenas de acción, más cine en estado puro y mucha menos sensación de monotonía. La forma en que Hit Girl salva a Kick-Ass de ser quemado vivo sólo puede calificarse de brutal.
Kick-Ass es una película que no está mal, que ofrece un interesante discurso sobre la identidad y sobre lo que supone crearse una imagen en la digitalizada sociedad del siglo XXI a través de elementos como las redes sociales; pero que, lamentablemente, no llega a entusiasmar tanto como prometía en un inicio y decepciona ligeramente.

EL PADRINO II, Francis Ford Coppola (1974) [9,4/10]

2011-06-30T15:34:00.000-07:00

En 1974 Francis Ford Coppola volvió a hacer la mejor película de la Historia del Cine, la otra joya de la corona, la segunda parte de aquella obra maestra que sólo dos años antes había marcado un antes y un después en la Historia del Séptimo Arte, El Padrino.
En El Padrino II Coppola vuelve a basarse en la novela de Mario Puzo para contar, por un lado, la historia de Vito Corleone (Robert de Niro), sus orígenes y cómo fue ascendiendo poco a poco en la escala de la vida hasta convertirse en uno de los capos más influyentes de Norteamérica; y por otro, cómo su hijo Michael (Al Pacino) agarra el timón de la familia Corleone en un contexto en el que parece que el Imperio se viene abajo, y la familia empieza a peligrar. Las traiciones acechan, y cualquiera, aunque sea de dentro, puede venderse al mejor postor.
Es clara en esta segunda entrega la evolución que con respecto a la primera parte experimenta el personaje de Michael Corleone. Nos encontramos en El Padrino II con un Michael más maduro, más sólido y duro, quizá más terrorífico. Cada una de sus palabras corta el aire como un afiladísimo cuchillo, logrando Pacino generar una tensión que se mantiene incólume a lo largo de las más de tres horas que dura el filme.
Al igual que ya hiciera la primera parte, El Padrino II explica la sociedad en la que vivimos, explica cómo funciona el mundo de los negocios, cómo se asciende en la vida y quiénes lo hacen, cómo se relacionan las instituciones estatales con el crimen organizado y la importancia que tienen para el ser humano valores como la lealtad, la confianza, el honor o la venganza. En este sentido, la forma en la que Coppola retrata la relación entre don Vito Corleone y su hijo Michael sólo puede ser catalogada como una de las más tiernas y emocionantes de todos los tiempos, así como es destacable la importancia que adquiere la institución familiar en la trilogía entera de El Padrino.
Como apunte, y al hilo de lo que comentábamos de que El Padrino explica la sociedad, no puedo dejar de encontrar un tímido doble sentido en la escena de El Padrino II en la que, en el apartamento de Hyman Roth (Lee Strasberg) en La Habana, los diferentes jefes de las más grandes compañías norteamericanas se reparten una tarta en la que puede apreciarse un mapa de la isla de Cuba.

CASINO, Martin Scorsese (1995) [8,4/10]

2011-06-26T05:49:00.000-07:00

Una de las mejores películas del director neoyorquino Martin Scorsese es Casino, en la que, una vez más, volvió a repetir reparto con dos de los más grandes intérpretes de gángsters/tipos duros que ha dado la Historia del séptimo arte, como son Robert de Niro y Joe Pesci, a quienes ya habíamos visto en Toro Salvaje y en Uno de los nuestros.
Al igual que en esta última, Scorsese vuelve a trabajar con Nicholas Pileggi, en cuya novela se basa para contar la historia de Sam “Ace” Rothstein, el rígido y calculador director de un casino de Las Vegas.
Scorsese vuelve a sentirse como pez en el agua contando historias de mafias y gángsters, retratando una sociedad en la que no son los buenos los que triunfan, sino los caraduras, el enchufismo y la ley del más fuerte, ya sea física o económicamente. Uno sale de ver Casino pensando que es triste, pero que, lamentablemente, las cosas son así.
Evidentemente, Casino puede y quizá deba ser emparentada con Uno de los nuestros, dado que la temática y la estructura es básicamente igual que la película protagonizada por Ray Liotta. En ambas vemos a un “tipo listo” que se mete de lleno en la boca del lobo, que coquetea con el mal mucho más allá de lo que él mismo jamás hubiese imaginado y que, llegado el momento, cuando el barco se hunde consigue salir por patas y quedar ileso.
Una gran labor de vestuario es la que se ha desplegado en Casino, abundando los tonos chillones de los setenta que, como toda estética setentera que se precie, resulta hortera hasta la extenuación, por no hablar del exceso de oro y joyas.
A mí, personalmente, me parece mejor que Uno de los nuestros. Casino es cine de verdad, Scorsese vuelve a demostrar que conoce el lenguaje cinematográfico a la percepción y que sabe cómo se emplean las imágenes a la hora de contar una historia. Únicamente le pondría la pega de que resulta terriblemente larga, y hay momentos en los que tanta voz en off puede llegar a cansar, pero por lo demás, chapó.

CARROS DE FUEGO, Hugh Hudson (1981) [7/10]

2011-06-21T09:42:00.000-07:00

En 1981 un realizador publicitario llamado Hugh Hudson debutó en la gran pantalla con una película que, en gran parte debido a su banda sonora, ha merecido permanecer en un más que aceptable puesto de la Historia del cine. Hablamos de Carros de fuego.
Escrita por Colin Welland, Carros de fuego cuenta la historia real de Harold Abrahams (Ben Cross) y Eric Lidell (Ian Charleson) dos grandes corredores de primer cuarto de siglo que, si bien por motivos diferentes, amaban el atletismo por encima de todas las cosas, y encontraban en él la clave para un mejor desarrollo integral y espiritual como personas.
Producida por David Puttnam, Carros de fuego viene a hablarnos de la importancia que el sacrificio y el esfuerzo tienen en una sociedad como la nuestra, y para ello qué mejor que ambientarnos en los juegos olímpicos de París de 1924.
La emocionante música del griego Vangelis que acompaña la película ya ha pasado a la posteridad y se considera inmortal, desde el inicio en que acompaña a los jóvenes corredores en su marcha por la orilla de la playa, combinada con las preciosas y seductoras imágenes con las que nos deleita Hudson a lo largo de todo el filme. Preciosidad y seducción, no podía ser de otra forma, tratándose Hudson de un respetable realizador publicitario.
No obstante lo dicho, me veo obligado a señalar que, a pesar de todos sus pros (que, como ya digo, son muchos), la película no llega a emocionar tanto como en un principio prometía, y nos queda la sensación de tener ganas de más. Las cuales, para nuestra desgracia, no se satisfacen.

X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN, Matthew Vaughn (2011) [6,9/10]

2011-06-18T19:14:00.000-07:00

Tras la valorada Kick-Ass, Matthew Vaughn vuelve a estrenar película, esta vez basándose en la archiconocida saga de cómics de Marvel X-Men. La película se desarrolla en el contexto de la Guerra Fría, en concreto durante la crisis de los misiles, posiblemente el periodo menos propicio para ponerse a hablar de tolerancia y de paz, de aceptar al diferente y de condenar el racismo en pro de la integración de culturas, todas ellas ideas en torno a las cuales gira X-Men: Primera generación.
La película se deja ver, es entretenida y uno no llega a tener la sensación de haber desperdiciado su tiempo, pero sí es cierto que, salvando la última parte, se tiene la sensación a lo largo de todo el metraje de que las escenas que se suceden ante nuestros ojos no terminan de explotar. Salvo algunas excepciones, seducen demasiado poco, y parece que, pudiendo aspirar a un notable o un sobresaliente, el director ha preferido conformarse con un cinco raspao, dejándonos con la miel en los labios.
Quizá mi completo desconocimiento de la historia de los X-Men me haya impedido disfrutar todo lo que la película de Vaughn prometía ofrecerme, pero sí puedo decir que, a pesar de ello, la de Magneto (Michael Fassbender) me ha parecido una de las historias más bonitas que he visto últimamente en la gran pantalla, y el personaje uno de los más sólidos y con más íntegros principios.
Por ponerle una última pega, criticaría el pestazo a panfleto anticomunista que la película posee, pero tratándose de una americanada destinada al consumo de la masa, podemos pasarlo por alto y sentarnos a disfrutar de una entretenida película de buenos y malos, engullendo palomitas como si lo fueran a prohibir.

PSICOSIS, Alfred Hitchcock (1960) [8,6/10]

2011-06-14T09:42:00.000-07:00

Psicosis, de Alfred Hitchcock, es una de las mejores películas de terror de todos los tiempos, en la cual el autor desarrolla el complejo de Edipo hasta el último extremo, dando lugar a una obra maestra que aún a día de hoy sigue helando la sangre de todo aquel que decide darse un homenaje y echarle un vistazo.
Psicosis nos presenta a Marion (Janet Leigh), una atractiva empleada de banca de Phoenix, Arizona, que un buen día decide huir con 40.000 $ que no son suyos en su bolso. Conduciendo por la carretera, llegará al motel regentado por Norman Bates (Anthony Perkins) y su misteriosa madre, donde todo parece estar teñido por un halo de misterio y horror, los cuales no serán en absoluto ajenos a la joven Marion.
Psicosis encierra abundante contenido psicológico en sus casi dos horas de metraje, el caldo de cultivo idóneo para poder jugar con el espectador y mantenerle encadenado a la pantalla, prohibiéndole quitar la vista un solo instante y obligándole a ver una historia cruda y árida, plagada de atmósfera y digna de reconocimiento.
La música de Bernard Herrmann se clava en nuestros oídos como si de un afiladísimo puñal se tratase, especialmente en la ya famosa escena de la ducha, pero también a lo largo de todo el filme, aumentando de forma considerable el pavor y la sensación de pánico presente en cada una de las escenas de Psicosis, una genial e imprescindible película, cumbre del cine de terror y de la filmografía de su director.

VÉRTIGO, Alfred Hitchcock (1958) [6,7/10]

2011-06-06T09:11:00.000-07:00

Una de las obras más conocidas de Alfred Hitchcock es, sin duda, Vértigo, escrita por Alec Coppel y Samuel Taylor.
En el papel principal tenemos a James Stewart, interpretando a un detective retirado de la profesión a causa de su miedo a las alturas que un día recibe un último encargo por parte de un antiguo amigo suyo de la juventud. Deberá vigilar a la mujer de éste, Madeleine (Kim Novak), que parece poseída por alguien del pasado, un muerto.
Vértigo es, con diferencia, una de las películas más sobrevaloradas de la Historia del Cine. No sé si es que soy yo, que no aguanto tanto melodramatismo, pero la supuesta atracción que Scottie siente hacia Madeleine no se la cree ni Dios, y a la inversa mucho menos, hasta el punto de llegar el momento en que no se entiende muy bien por qué los personajes actúan como actúan, no se ofrecen explicaciones, aunque quizá lo que se pretenda sea eso, hablar de la locura del amor apasionado, pero desde luego que conmigo no cuenten, al menos si es para hacerlo así de mal.
La película, además, cuenta con unos fallos de guión garrafales, que insultan a la inteligencia del espectador. Eso sí, posee imágenes verdaderamente hipnóticas, dignas del mismísimo Lynch, con una composición del cuadro que quita el hipo y unos actores no demasiado agraciados.
Al igual que haría más adelante en Psicosis, también de Hitchcock, Bernard Herrmann vuelve a estar al cargo de la música del filme, posiblemente una de las pocas cosas que se salven de Vértigo, película aceptable, que sí es cierto que se digiere mejor en un segundo visionado.

EL LUCHADOR, Darren Aronofsky (2008) [7,3/10]

2011-06-02T09:03:00.000-07:00

En 2008 Darren Aronofsky dirigió El luchador, una historia acerca de un luchador profesional venido a menos llamado Randy “The Ram” Robinson (Mickey Rourke) que trata de recuperar la vida de persona normal que dejó atrás para subirse al ring de la fama y el éxito. Es una muy bonita película, más minimalista y sencilla que Cisne negro, pero que, a mí por lo menos, me ha llegado más al fondo.
Lo cierto es que en la realización es casi igual que el último filme de Aronofsky (de hecho lamento sobremanera no haber visto antes ésta que Cisne negro), y los planos semisubjetivos tomados desde la nuca y con cortes innecesarios entre medias vuelven a repetirse.
Con un ya habitual tono amargo, desesperanzador y triste, Aronofsky vuelve a hablar del éxito y el fracaso, y de su relación con la soledad y la fama, objetivo que en gran parte viene logrado por la nada desdeñable interpretación de Mickey Rourke. El luchador reflexiona en torno al cambio personal, hasta qué punto se está a tiempo de llevarlo a cabo o ya, sencillamente, es tarde para intentar cambiar nada y hay que aceptarse como lo que uno es. Una buena película que, aunque no supera el que considero el mejor trabajo de Aronofsky: Réquiem por un sueño, no deja indiferente y consigue mantenerte pensando en ella tiempo después de haberla visto.

AMENAZA EN LA SOMBRA, Nicolas Roeg (1973) [7,7/10]

2011-05-29T08:53:00.000-07:00

Amenaza en la sombra, de Nicolas Roeg, es un thriller psicológico con elementos típicos del género de terror que cuenta la historia de un matrimonio que se ve golpeado por la pérdida de su hija, quien fallece accidentalmente.
Protagonizada por Donald Sutherland y Julie Christie, la película viene a hablarnos de lo que supone una pérdida tan cercana y cómo afecta a nuestra persona, psicológica y emocionalmente, llegando a obsesionarnos hasta conducirnos a la autodestrucción.
El director demuestra que sabe jugar muy bien con todos y cada uno de los elementos que aparecen en pantalla, desde el abrigo rojo de la niña hasta el brillante color de la sangre, pasando por otros elementos como el agua, los cristales o el acto de mirar, que igualmente están presentes adquiriendo importantes significados.
Otro de los puntos fuertes de la película es su montaje, especialmente en la escena de sexo (de las más eróticas y mejor rodadas que se recuerdan) y en las finales, que sirven al espectador de recordatorio para que intente hilar todos los acontecimientos que ha estado viendo. Algo que, en parte, puede tacharse de absurdo, porque parte del atractivo de Amenaza en la sombra, al igual que otras películas como Mulholland Drive, reside en que no se trata tanto de entender y saber explicar lógicamente lo que ha sucedido como de experimentar y sentir en nuestra piel las sensaciones que los personajes van teniendo.
Por sacarle algún fallo, diría que puede que Roeg se pasó demasiado explicando una y otra vez que, cada vez que ve agua, el protagonista se acuerda de su hija, pero al margen de eso, debe quedar claro que Amenaza en la sombra constituye una interesantísima película capaz de mantener la tensión en todo momento, sin dejarlo decaer un solo instante.

CISNE NEGRO, Darren Aronofsky (2010) [7,3/10]

2011-05-25T23:35:00.000-07:00

Una compañía de ballet va a desarrollar una representación de El lago de los cisnes, para la cual se precisa a una bailarina capaz de interpretar tanto al cisne blanco como al cisne negro. La dulce e inocente Nina (Natalie Portman) es una de las favoritas cuando de encarnar al cisne blanco se trata, pero el hecho de que la sensual y explosiva Lily (Mila Kunis) sea la perfecta para dar vida al cisne negro generará una rivalidad entre ambas que, sumada a las presiones del estricto director de la pieza (Vincent Cassel), acabarán por forzar a la adorable Nina a sacar su lado más oscuro. Winona Ryder en el papel de una antigua bailarina retirada y Barbara Hershey como la exigentemadre de Nina, completan el reparto de Cisne negro, hasta la fecha la obra más madura de Darren Aronofsky.

Tal y como es habitual en sus películas, Aronofsky vuelve a relativizar el éxito, porque obliga a sus personajes, una vez en la cima, a sufrir hasta ser conducidos al másabsoluto de los fracasos, y en este sentido la Nina de Cisne negro no es menos. El espectador es forzado a acompañar a la protagonista a lo largo de su particular yartístico descenso a los infiernos de la perfección, perseguida por sus propias obsesiones, las cuales encuentran en la belleza –algo con lo que el ballet está sin duda muy relacionado- el mejor caldo de cultivo para salir a flote y desenvolverse de manera incontrolada en forma de drama psicológico.

Con un impactante sentido visual ayudado por la impecable fotografía del ya habitual en las películas de Aronofsky, Matthew Libatique; la cámara pasa a convertirse en un bailarín más de este sensacional ballet que constituye Cisne negro. El director hace gala de interesantes, aunque en cierto modo previsibles, juegos visuales posibilitados por la presencia de espejos en el lugar de ensayo de las bailarinas, algo que también le permite explotar la idea del doble de forma realmente majestuosa.

Ya desde su debut con Pi (fe en el caos), Aronofsky apostaba por lograr una atmósfera propia, que le permitiese adueñarse de un universo al que estamparle su firma y hacerlo reconociblemente suyo a ojos del público. En el caso de Cisne negro, la particular atmósfera que el director logra es triste hasta la extenuación, hasta el punto de que incluso los momentos de mayor alegría resultan terriblemente amargos y desesperanzadores, y la única válvula de escape que parece quedar es la de la locura.

Uno de los pilares principales encargados de sostener esta obra de Darren Aronofsky es la interpretación de Natalie Portman, la cual, al igual que sus compañeros de reparto (increíble Vincent Cassel), cumple su función con creces, regalándonos escenas que realmente ponen los pelos de punta y que dan fe de que nos encontramosante una de las mayores profesionales que existen actualmente en Hollywood.

Sin embargo, donde la película falla ligeramente es en el momento en que se pasa de efectista y juega demasiado al despiste con el espectador, cuando éste ya está cansado de juegos y realmente quiere conocer qué es lo que está ocurriendo con Nina.

MIDNIGHT IN PARIS, Woody Allen (2011) [7,7/10]

2011-05-18T17:03:00.000-07:00

Parecía que se había ido para no volver, que el mejor Woody Allen ya era historia, y que jamás volveríamos a ver en la gran pantalla algo medianamente digno que estuviese más o menos a la altura de sus mejores trabajos. Pero, gracias a Dios, nos equivocábamos, y el director neoyorquino sorprendió al mundo con su Midnight in Paris, película encargada de inaugurar el festival de Cannes de este año y que, aunque sí es cierto que no llega a equipararse a sus conocidas obras maestras, supera con creces las últimas mediocridades que venía realizando.

Midnight in Paris tiene como protagonista a un escritorzuelo de guiones (Owen Wilson) que ha decidido cambiar el chip y dar el paso a la novela. Amante de los felices años 20', acude con su futura esposa (Rachel McAdams) a París, donde en su mágica medianoche tiene uno de los más lúcidos momentos de inspiración que cualquier escritor ansiaría tener.

No sé si la película tiene ritmo o no lo tiene, si los planos están bien encuadrados o si la fotografía y la música son las adecuadas, pero tampoco creo que sea lo que más importa. Lo que sí sé es que cualquier persona con un mínimo de cultura va a disfrutar esta película al igual que un crío con un bol de chocolate líquido. Cultura, otra vez, porque se trata de Woody Allen, y las referencias literarias vuelven a aparecer por doquier, en esta película más que en ninguna otra. En Midnight in Paris Allen se sumerge en la bohemia parisina para rodearse ni más ni menos que de la Generación Perdida, zambullirse en el mundo de las tertulias y los cafés que él mismo tanto anhela y elaborar un guión que, de seguro, ha disfrutado tanto él escribiéndolo como el espectador viéndolo en imágenes.

La película invita a reflexionar en torno a esa conocida frase que dice que "cualquier tiempo pasado fue mejor", para acabar por concluir que, aunque es éste un pensamiento muy común que tiene más que ver con la nostalgia que con la razón, lo cierto es que no es así, que el ser humano va avanzando, y que el bienestar de las personas va en auge. Lo que pasa es que el hombre es disconforme por naturaleza, y a medida que se hace mayor se va volviendo más carca y reaccionario contra el presente que está viviendo.

Todos los actores, salvo contadas excepciones, están genial, destacando Owen Wilson en el papel de alter ego de Woody Allen. Los diálogos son inteligentes, y las imágenes llevan claramente el sello de su autor, consiguiendo éste que París parezca una nueva ciudad por explorar.